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Cinemateca
Viernes de Octubre
REGIÓN SALVAJE: Sexo y monstruos en el cine de ficción.
Ciclo curado por Miguel Baralt, estudiante del Programa de Historia.
Esta selección toma en parte el nombre del último film del realizador mexicano Amat Escalante; que tras el estreno de La Región Salvaje en el festival de Venecia del año pasado, fue cuestionado por el viraje de su propuesta argumental naturalista -en películas que se han convertido en referentes del cine latinoamericano contemporáneo como Sangre (2005), Los bastardos (2008) y Heli (2013)- al terreno de la ciencia ficción, con el relato de una criatura alienígena que desciende a una pequeña población del México rural, donde la vida provinciana de sus habitantes jóvenes es alterada con la llegada de una mujer misteriosa que les convence de que en el bosque cercano, en una cabaña aislada, existe algo que no es de este mundo pero que es la respuesta a todos sus problemas. Su director explicó que más allá de su calculado homenaje a la cinefilia de las que se nutrió en los años 80 con films como Possession (Andrzej Zulawski, 1981), esta decisión se debía a que sólo con la intervención de este elemento fantástico, resolvió en la escritura la forma adecuada de enfrentar la hipocresía, la homofobia, el machismo y los valores de la familia tradicional que surgen en ciertas sociedades con respecto al sexo y el amor. La región salvaje, además de ser el lugar donde sus personajes derrotaban la inhibición de sus pulsiones sexuales, era también la lucha interna de ellos al enfrentarse a la deformación de la realidad que es la experiencia de la represión social y la imposición de los códigos morales sobre el deseo. Es este terreno donde cobraba sentido la aparición irregular de la criatura con tentáculos de su film: Algo a cuya fuerza no se pueden resistir y con lo que deben hacer paz o sufrir su ira. “Los personajes de mi película, aún si mueren, no sería en vano a lo que en realidad sienten y quieren”
Sobre esta perspectiva del carácter sistemático del cine de ficción, Román Gubern anotó hace décadas que los periodos de máximo desarrollo y originalidad de esta especie de apuestas cinematográficas (de monstruos y escenarios exagerados) corresponden siempre a situaciones sociales traumáticas: el cine expresionista alemán de la convulsionada república de Weimar en el marco de la inflación y los cambios sociales que desembocaron en el nazismo (1919-1926); los monstruos apocalípticos despertados en el cine japonés por las explosiones atómicas (1945); e inclusive los zombis de George A. Romero en los años 80 dentro del cine de terror norteamericano, con sus ciudadanos anexados por la lógica del consumo y que fueron la metáfora perfecta de quienes comenzaban a transitar las ciudades como muertos vivientes.
Aunque los films aquí seleccionados no pretenden ser una antología que sirva al análisis sociológico ni tampoco un medio para detenerse sobre las múltiples patologías que cada uno podría rastrear en los films (ya sabemos “la historia de la civilización humana nos enseña que la crueldad y el instinto sexual están íntimamente ligados”. Freud) tenemos sí la posibilidad de hacer mirada sobre la manera cómo diferentes cinematografías han representado las pulsiones sexuales. Esta selección incluye desde el cine de género norteamericano con El Ansia y la figura del vampiro; de Europa veremos El Anticristo y Amor Caníbal, donde no se trata de monstruos sino de rituales exagerados con respecto al sexo y el brote del deseo, tratado como una necesidad constitutivamente decadente. Cierra esta selección Tropical Malady de Apitchapong Weeraseghakul; el relato de un animal mitológico que no es metáfora sino la celebración de la presencia real del mito con respecto al amor entre dos hombres en la cultura popular tailandesa.
ANTICRISTO
Dir.: Lars von Trier / 2009 / 108min / Dinamarca
Película dividida en capítulos como casi toda la filmografía de Lars von Trier. Aqui, una pareja decide hacer un viaje al bosque para sobrellevar y enfrentar el doloroso proceso de duelo ocasionado por la muerte de su único hijo. Él, psiquiatra de profesión, la convence entonces de emprender un proceso de catarsis mediante la excursión a la cabaña llamada El Edén en donde pasó una temporada con su hijo mientras adelantaba una investigación sobre el feminicidio de mujeres en la época medieval. Sin embargo la terapia falla cuando la naturaleza comienza a influenciar a la mujer, cuando cada intento nuevo de enfrentar el miedo -que obedece entre otras cosas a un impulso sádico inconsciente del terapeuta por empujarla más cerca al dolor para poder observar- se convierte en un descenso hacia lo natural, hacia el miedo primario.
TROUBLE EVERY DAY (AMOR CANÍBAL)
Dir. Claire Denis / 2001 / 112 min / Francia
En Trouble Every Day hay varias historias de amor que suceden al tiempo. La primera la conforman una pareja de neuro-cientificos: él (Sémenau) se dedica a buscar el remedio a la enfermedad de su esposa, mientras ella (Coré), como la mantis religiosa, devora a los hombres que se dan en sus encuentros sexuales, encontrando siempre la manera de alimentarse de jóvenes intrusos mientras su esposo cree medicarla y mantenerla en cautiverio mientras cava las fosas para los cuerpos que ella ha dejado a medio devorar. La otra pareja es la que forman los recién casados Shane y June Brow, y que llegan a París a celebrar su luna de miel. Él trabajó en el pasado con la pareja de científicos y ahora es terriblemente consciente de que empieza a desarrollar los mismos impulsos que Coré, de modo que mientras intenta mantenerse estable y consciente, busca encontrar a Léo antes de que sea demasiado tarde y logre debilitarlo lo suficiente la carne humana como para ceder al canibalismo.
THE HUNGER (EL ANSIA)
Dir. Tony Scott / 1983 / 100 min / Estados Unidos
El mito de Drácula, tal como se comenzó a expandir en Europa luego de que el novelista Bran Stoker lo popularizara para la modernidad, era en sus inicios absolutamente misógino. Luego el cine, con el Nosferatu de F. W. Murnau, dotó de erotizaciones homosexuales al vampiro que desde entonces desea la sangre de mujeres y hombres por igual. Ya se conoce también que el vampiro libera a sus víctimas de toda atadura moral y las induce a entregarse sin ningún freno a sus impulsos; incluso aparece como uno de los apuntes más sugerentes del mito que el vampiro no despierta ningún apetito que su víctima no tuviera previamente.
De las decenas de actualizaciones que desde entonces la industria del cine norteamericano ha explotado alrededor del mito, la ópera prima de Tony Scott estrenada en los años 80, es recordada y catalogado hoy como película de culto sobre todo por sus excesos, tanto en términos técnicos como por su casting de sueño hollywoodense: David Bowie como el amante marchito de la vampiresa Catherine Deneuve, que, envejecido su amante, ahora fija su sed de sangre en la científica interpretada por Susan Sarandon.
TROPICAL MALADY
Dir. Apichatpong Weerasethakul / 2004 / 125 min / Tailandia
Tropical Malady está dividido en dos episodios. El primero de ellos es narrado por medio de una estructura convencional donde dos hombres se conocen y parecen quererse. Uno de ellos es un militar, que poco antes de ser recibidos en la casa de la familia campesina donde conocerá al segundo hombre, hemos visto patrullar las lindes de un bosque donde encuentran un hombre muerto, con el que bromean y se sacan fotos. Keng y Ton sostiene una relación muy tímida que no tendrá desarrollos complejos hasta que una noche, Ton lame la mano del Keng. Una vez comunicado su deseo se adentra en la selva mientras su compañero duda y no lo sigue a la oscuridad, en medio de la noche. En el siguiente capítulo ambos van a tener que enfrentarse a Un camino del espíritu; el segundo episodio de este film que sucede de forma no lineal, una puesta en escena que funde mito y realidad con la intervención de la cultura oral tailandesa en forma de textos y la aparición de una criatura mitológica que acechara al soldado en la selva virgen.
Jueves de Octubre
100 AÑOS DE LA REVOLUCIÓN SOVIÉTICA
Ciclo curado por Sara Garzón, estudiante del programa de Diseño Gráfico y Laura Elisa Rodríguez y Fabián Eraso estudiantes de la Escuela de Comunicación Social.
La revolución rusa de 1917 fue uno de los movimientos sociales, políticos y económicos más poderosos y memorables de la época contemporánea plasmado en las páginas de la historia universal. Dicho suceso tuvo como resultado el triunfo del movimiento bolchevique que derrotó a la dinastía zarista. Las numerosas batallas dentro y fuera del territorio incentivaron a la conformación de la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS).
Este jueves 5 de octubre se dará inicio al ciclo con la emblemática película “Octubre” (1928) dirigida por Serguéi Einsestein, la cinta muestra el inicio de la revolución en San Petersburgo desde la filosofía comunista. El 12 octubre se proyectará Stride, Soviet! (1926), dirigida por Dziga Vertov, filme documental que cuenta la realidad de Moscú en la época. El 26 de octubre se exhibirá: El fin de San Petersburgo (1927) dirigida por Vsébolod Pudovkin y Mikhail Doller, filme que conmemora el décimo aniversario de la revolución y narra la vida de un campesino que escapa del hambre y la miseria. El ciclo cerrará el 2 de noviembre con la película Zemlya (1930) dirigida por Aleksandr Dovzhenko, narra la naturaleza y la vida en Ucrania, mientras Vasil, un granjero decide que la comunidad debe comprar un tractor para superar la crisis.
OCTUBRE
Dir. Serguei Eisenstein / 100min / URSS / 1927
Reconstrucción de los acontecimientos ocurridos desde febrero hasta octubre de 1917. Una película en la que, siguiendo la filosofía comunista, no había personajes principales. La habilidad de Eisenstein y su experiencia se ve en los rápidos movimientos y en el ritmo en el montaje, así como en la construcción de intensas secuencias que no fueron bien entendidas por las tempranas generaciones rusas. El estreno se retrasó hasta 1928 debido a la presión de algunos grupos influyentes y, además, se cortaron algunas escenas. Aparecen en el filme muchos de los protagonistas de la revolución: los Guardias Rojos, los soldados y los marineros.
STRIDE, SOVIET!
Dir. Dziga Vertov / 70 min / URSS / 1926
Este documental encargado a Dziga Vertov, por el Soviet de Moscú, es una visión realista del Moscú de la época. En él nos enseña los avances y servicios conseguidos por la Alcaldía, la vida nocturna y ociosa de la capital y también los problemas que azotan Moscú, como la enfermedad, la muerte y el hambre.
EL FIN DE SAN PETERSBURGO
Dir. Vsevolod Pudovkin y Mikhail Doller / 74 min / URSS / 1927
Debido a la pésima situación que se está viviendo en el campo, varios miembros de una familia tienen que emigrar a la ciudad en busca de trabajo. Tomando como protagonista a uno de ellos, un joven campesino que tras diversos avatares llega a ser uno de los asaltantes del Palacio de Invierno de San Petersburgo, se nos cuenta la Historia de la Revolución rusa de 1917 hasta el momento en que San Petersburgo se convierte en Leningrado.
ZEMLYA (TIERRA)
Dir. Alexander Dovzhenko / 76 min / URSS / 1930
Un viejo campesino ucraniano se dispone a morir sobre la tierra en la que ha trabajado toda su vida. Su nieto, Vasil, decide entonces que el consejo de la villa debe comprar un tractor para compartirlo entre los granjeros, que unidos vencerán a las dificultades de la naturaleza y a la opresión de los ricos terratenientes.
Zemlya no es solo la mejor película de uno de los nombres clave del cine soviético, Alexander Dovzhenko, sino una de las grandes obras maestras de la era muda. Una de esas películas que sigue impresionando por su sobrecogedora belleza y por la armonía de sus imágenes.
Miércoles de Octubre
CINE POSNARRATIVO
Ciclo curado por Grupo de Investigación CALIGARI de la escuela de Comunicación Social de la Universidad del Valle.
El cine posnarrativo deja atrás el requisito fundamental de contar una historia. Se trata de plasmar acciones, comportamientos y movimientos, se trata de construir emociones y sensaciones; que el espectador ante la incertidumbre por la falta de una trama invente su propia película.
EL SABOR DE LA SANDÍA
Dir. Tsai Ming-Liang / 112min / Taiwan / 2005
Para afrontar una terrible sequía el gobierno Taiwanes lanza constantes mensajes a la población sobre métodos para ahorrar agua e incentivar el consumo de zumo de sandía. En este contexto Hsiao-Kang, actor porno novel, y Shiang-Chy, embotelladora de agua de baños, antiguos conocidos, se reencuentran para vivir el que al parecer si es su momento. Ming-liang aprovecha todo lo absurdo que esta situación puede tornarse para mostrarnos de manera somera y a la vez bizarra toda una experiencia visual y a la vez una sutil crítica a las relaciones modernas.
CAFÉ LUMIERE
Dir. Hou Hsiao-Hsien / 103min / Japón y Taiwan / 2002
Café Lumiere nos cuenta la historia de una chica japonesa que vuelve a Tokyo después de pasar un tiempo en Taiwan estudiando la vida de un compositor de jazz sobre el que quiere escribir; de nuevo en su ciudad natal deberá buscar los lugares que frecuentaba el autor cuando estaba en Japón para intentar profundizar más en su vida, pero además de eso también deberá reaprender las relaciones con su familia, amigos, y su ciudad, añadiendo algún asunto más que ha traído de Taiwan.
BATALLA EN EL CIELO
Dir. Carlos Reygadas / 93min / México/ 2005
Marcos tiene serios problemas económicos de los que intenta salir secuestrando, junto con su mujer, al sobrino del militar para el que es chofer. El pequeño muere accidentalmente y sume a Marcos en un progresivo deterioro. Su mujer y la joven hija de su patrón, quien se prostituye por gusto, intentarán sacar a Marcos de ese estado.
TABÚ
Dir. Miguel Gomes / 118min / Portugal / 2012
Inspirada por el film homónimo de Murnau, Gomes nos cuenta la historia de una historia, la del paraíso que se perdió y el que fue. En el primero, ubicado en la Lisboa actual, está la historia de tres mujeres, la más vieja de ella en su lecho de muerte le pide a la vecina que encuentre al único hombre por el que ella ha sentido amor, un vividor con el que tuvo un romance en una colonia africana hace cincuenta años. Y esta historia de amor la segunda historia dentro de la película, el idilio romántico de los dos jóvenes en el África colonial.
Martes de Octubre
THE AMERICAN FILM SHOWCASE
The American Film Showcase es un programa de diplomacia liderado por el Departamento de Estado de los Estados Unidos y producido por la Escuela de Artes Cinematográficas de la University of Southern California, que lleva a más de 40 países películas independientes (de ficción y documentales) de Estados Unidos.
The American Film Showcase trae documentales estadounidenses contemporáneos, películas de ficción independientes y documentales a audiencias de todo el mundo, ofreciendo una visión de la sociedad y la cultura estadounidenses como lo ven los cineastas independientes. El Showcase, financiado por una subvención de la Oficina de Asuntos Educativos y Culturales del Departamento de Estado (ECA) y producido por la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California (SCA), destaca el valor del cine para fomentar la comprensión y la cooperación, el diálogo y el debate.
IN THE GAME
Dir. Maria Finitzo / 91 min / Estados Unidos / 2015 / Documental
Siguiendo los altibajos del equipo de futbol femenino de la Kelly High School en el lado sur de Chicago se revelan los verdaderos obstáculos que los estudiantes de bajos ingresos deben enfrentar en su búsqueda de la educación superior.
MOSQUITA AND MARY
Dir. Aurora Guerrero / 86 min / Estados Unidos / 2012 / Ficción
Yolanda y Mari están creciendo en Huntington Park, Los Ángeles, y sólo han conocido la lealtad a una cosa: la familia. Al crecer en los hogares de inmigrantes, se espera que ambas niñas prioricen el bienestar de sus familias. Cuando Mari se mueve al otro lado de la calle de Yolanda mantienen su rutina habitual de vida hasta que un incidente en la escuela las empuja a una amistad y un territorio desconocido.
I AM NOT RACIST AM I?
Dir. Catherine Wigginton Greene / 93 min / Estados Unidos / 2014 / Documental
No soy racista... ¿Lo soy?, es un documental sobre cómo la próxima generación va a enfrentar el racismo. Doce adolescentes de la ciudad de Nueva York se reunieron durante un año escolar para hablar sobre raza y privilegio en una serie de talleres y conversaciones con amigos y familiares. Se espera que al documentar su experiencia, la película inspirare a otros a reconocer e interrumpir el racismo en sus propias vidas.
EAST SIDE SUSHI
Dir. Anthony Lucero / 107 min / Estados Unidos / 2015 / Ficción
East Side Sushi nos presenta a Juana, una madre soltera latina de clase trabajadora que se esfuerza por convertirse en chef de sushi, pero su raza y género son los equivocados
