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Cinemateca
Martes de Noviembre
TERRENCE VS MALICK
Ciclo curado por Camilo Martínez, estudiante de la Escuela de Comunicación Social.
Terrence Malick (1943) es poseedor de uno de los estilos cinematográficos más controvertidos de los últimos años, al punto de polarizar tanto a la audiencia como a los críticos quienes pueden llegar a calificar sus películas como ‘obras maestras’ o de ‘grandilocuentes y pomposas’. Malick tiene una filmografía marcada por dos grandes momentos distanciados tanto por el tiempo como por el estilo. Este ciclo se propone mostrar, al margen de sus películas más laureadas (The thin red line [1997] y The tree of life [2011]), estos dos momentos de un director que mal que bien tiene unas páginas en la historia del cine contemporáneo.
Pareciese que Malick terminó haciendo cine más por aburrimiento que por otra cosa. Después de haber estudiado filosofía en Harvard fue becado para terminar sus estudios en Oxford donde intentó titularse con una tesis sobre Martin Heidegger que nunca terminó. Aun así fue profesor de filosofía en el MIT durante un corto tiempo y reportero para The New Yorker y Life. Mientras tanto se postuló para entrar al, entonces nuevo, American Film Institute donde ingresó y realizó un cortometraje (Lanton Mills, 1969) al que sólo pueden acceder los estudiantes de dicha institución. Después trabajó reescribiendo alguno guiones para Hollywood a la vez que escribía y buscaba financiar de manera independiente la que sería su primer película, Badlands (Tierras baldías, 1973), la historia de amor adolescente de un asesino (Martin Sheen) y su novia (Sissy Spacek). Cuando logró estrenarla se ganó la admiración de la crítica que se ratificaría cinco años después tras el estreno de una de las obras de cine independiente y de autor más importante para la cinematografía estadounidense, Days of Heaven (Días en el cielo, 1978).
Estas dos obras son el primer momento de la filmografía de este autor. En ellas la narración es clásica, romántica y lacónica y nacerá de una mezcla de las experiencias y el bagaje de Malick por el sur y el midwest estadounidense y la idiosincrasia propia de estas regiones y épocas (ambas historias se desarrollan en un tiempo diferente al vivido por el director). Después de ellas, Malick se negará a hacer parte de la promoción de sus películas además de no dar entrevistas a ningún medio. Se retira de la vida pública y profesional durante 20 años en los que según parece viajó por el mundo, residió en Francia y escribió guiones que nunca vieron la luz.
En 1998 estrena The thin red line (Oso de oro del Festival de Berlín) una película bélica ambientada en la segunda guerra mundial y que marcaría el inicio de su nueva etapa creativa en la experimentaría con la puesta en escena, la improvisación y el montaje. Debido a la reputación que tenía por sus anteriores películas Malick tiene la posibilidad de contar con célebres actores como Sean Penn, George Clooney, John Travolta, el aún desconocido Jared Leto, Adrien Brody, entre otros. Aunque muchos de ellos estuvieron durante meses en el tormentoso plató de la película sus personajes prácticamente desaparecieron en la sala de montaje a reducirse a escenas de 30 segundos o menos. Esto debido que a que se rodó de manera muy libre y por fuera del guion lo que produjo cientos de hora de metraje que posibilitó prácticamente escribir otra película en la sala de edición. De ahí en adelante esta será una práctica presente en el resto de sus filmes por lo que estos pueden llegar a durar años en la sala de montaje y requerir de varios montajistas. En 2005 estrena The new world una adaptación libre del relato de John Smith y Pocahontas en la que colabora por primera vez con el director de fotografía mexicano Emmanuel Lubezki quién desde ese momento se vuelve su cómplice en la cámara y su distintivo estilo visual. Años después estrenaría la película que lo pondría en la boca de todos nuevamente, esta vez por su excentricidad y pretensión estética y que le valiera La Palma de Oro en Cannes 2011, The tree of life. A partir de entonces Malick entra en una etapa altamente creativa y productiva con la que estrena cinco películas en 7 años todas ellas con el mismo estilo marcado por el preciosismo de la fotografía y la música, la carencia de un guion que refleja en una constante improvisación y que gira en torno a preocupaciones puntuales (la naturaleza, las relaciones humanas, la espiritualidad, etc.) abordadas de forma poética y potente.
Esta última etapa es la más ha generado opiniones encontradas en los diferente ámbitos cinematográficos ya que algunos consideran su estilo una poesía cinematográfica en sí misma y otros una pomposa y grandilocuente monotonía que se repite. Sin embargo esta es una filmografía que vale la pena explorar ya que propone propuestas particulares tanto estéticamente como formalmente.
DAYS OF HEAVEN
Dir. Terrence Malick / 94 min / Estados Unidos / 1978
Ambientada en el año 1916, Days of Heaven es la historia de un amor que intenta encontrar un lugar donde establecerse aunque sea de manera funesta. La historia es narrada en off por la hermana menor de Bill, quién con su voz le da ese tono melancólico y a la vez idílico al orquestado plan de su hermano y su novia Abby para hacerse con la granja dónde trabajan. Orquestan un falso amor entre Abby y el dueño de la granja del que esperan muera pronto para que así Abby pueda heredar la granja y oficializar su relación con Bill.
En ésta película Malick cuenta con el impresionante trabajo de Néstor Almendros quién es reconocido por trabajar con directores de la talla de Truffaut o Rohmer. Con esta película Almendros, que fue grabada casi en su totalidad con luz natural, ganó el premio a mejor fotografía en los Oscar y a Malick le valió el premio a mejor director en el festival de Cannes de ese año.
BADLANDS
Dir. Terrence Malick / 94 min / Estados Unidos / 1973
Badlands es la historia del romance entre Kit (Martin Sheen) y Holly (Sissy Spacek). El primero es un joven de veinticinco años que trabaja como recolector de basura y que se enamora de la adolescente Holly. Kit quiere llevarse a Holly a vivir con él y está dispuesto a cualquier cosa para conseguirlo y es ahí donde la historia de estos dos fugitivos comienza a derramar sangre. Kit encarna el espíritu de esa juventud inspirada por la mítica figura rebelde de James Dean que busca la libertad y que desconoce a la autoridad en su afán de sentirla. No importa como irá detrás de ella y no le importará llevarse a Holly con él. Rodada con apenas 300.000 dólares y con un equipo técnico no sindicalizado la primera obra de Malick se ganó la admiración de crítica por contar con tanta simpleza y belleza el romance de estos dos jóvenes.
THE NEW WORLD
Dir. Terrence Malick / 135 min / Estados Unidos / 2005
Basada en el desembarco inglés en las costas de Norte América en 1607, la película narra la historia de la formación del asentamiento de Jamestown y del encuentro entre los ingleses y los nativos que habitaban las tierras del estado de Virginia, el entonces territorio de Tenakomakah. Este encuentro ocupa un lugar muy especial dentro del imaginario americano gracias a la leyenda del romance entre John Smith, uno de los capitanes de la expedición inglesa, y la princesa indígena Pocahontas. (Tomado de ochoymedio.info por Margarita Cuellar Barona).
SONG TO SONG
Dir. Terrence Malick / 128 min / Estados Unidos / 2017
Última película de la etapa más experimental de Malick. En ella se relata la existencial y poética relación entre varios amigos y amantes. Faye (Rooney Mara), BV (Ryan Gosling), Cook (Michael Fassbender) y Rhonda (Natalie Portman) son los vértices de estos triángulos amorosos con los que Malick nuevamente nos habla sobre las relaciones humanas, la espiritualidad y las razones para vivir. Potente visual y musicalmente esta es la última película en estrenar del director.
Miércoles de Noviembre
CINE POSNARRATIVO
LA HAMACA PARAGUAYA
Dir. Paz Encina / 76min / Paraguay / 2006
Junio de 1935. En un lugar de Paraguay, Cándida y Ramón, un matrimonio anciano de campesinos, esperan el regreso de su hijo, que partió al frente para luchar en la Guerra del Chaco. También esperan la llegada de la lluvia (que no llega nunca), del viento (que no sopla), que el calor desaparezca (que sigue impertérrito a pesar de la estación) y en definitiva esperan que las cosas mejoren. Pero dentro de la pareja cada uno ve las cosas a su manera: Ramón, hace frente a la espera con optimismo, mientras que Cándida está convencida de que su hijo ha muerto. Sin embargo, los papeles se invierten durante la espera: el padre y la madre reciben una señal del hijo, que les va a hacer cambiar de actitud y postura.
EN EL CUARTO DE VANDA (NO QUARTO DA VANDA)
Dir. Pedro Costa / 170min / Portugal / 2000
Vanda Duarte vive en las Fontainhas, uno de los barrios más degradados y terribles de Lisboa, donde impera el tráfico de drogas. El cuarto de Vanda es un cuarto de muerte, aunque allí pasan muchas cosas de vida. Vanda es una persona con una gran fuerza vital que resiste a la muerte.
CABALLO DINERO (CAVALO DINHEIRO)
Dir. Pedro Costa / 104min / Portugal / 2014
Resistiendo con fiereza en el barrio lisboeta de Fontainhas, donde lleva más de dos décadas filmando, y flanqueado por Ventura –el caboverdiano de triste figura de Juventud en marcha– Pedro Costa regresa, estableciendo un pasadizo secreto entre la Revolución de los Claveles de 1974 y la actualidad en Lisboa. Mientras los jóvenes toman las calles, la gente de Fontainhas busca a Ventura, perdido en el bosque, en un film de misterioso claroscuro como el de su mente deteriorada, perdida en un sueño febril tras una vida de trabajo duro y pobreza.
LA MUERTE DE LUIS XIV
Dir. Albert Serra / 115min / Francia / 2016
Año 1715. En el retorno a casa, Luis XIV siente un dolor agudo en la pierna. Quince días más tarde, se encuentra en cama en Versalles. Este es el comienzo de la lenta agonía del rey más grande de Francia, rodeado de sus más fieles súbditos
Jueves de Noviembre
CINE NEGRO
Ciclo curado por María Victoria Espinosa Osorio, estudiante de la Escuela de Comunicación Social.
“-¿Ha acabado?- pregunté.
Se volvió rápidamente hacia mí. Quizá hubiera sido elegante permitirle un disparo o dos, como un caballero de la vieja escuela, pero su revólver estaba todavía levantado y no podía esperar más, ni lo suficiente para ser un caballero de la vieja escuela. Le disparé cuatro veces, con el Colt oprimido contra mis costillas. El revólver saltó de sus manos como si hubiera sido golpeado. Se llevó ambas manos al estómago. Pude oírlas golpear contra su cuerpo. Cayó así, hacia adelante, sujetándose el cuerpo con sus anchas manos. Su cara cayó en la arena húmeda. Y después de eso, ya no hizo ningún ruido.”
Raymond Chandler. El sueño eterno (1939).
Este fragmento, además de pertenecer a la novela con la que Chandler introduce a su famoso detective Philip Marlowe, es una de los más conocidos relatos de novela negra que cuenta además con presencia en la pantalla. Alrededor de los años 30 y 50, surgió en Estados Unidos el género de cine negro (film noir), término utilizado inicialmente por la crítica francesa y con su fuente primaria en relatos de detectives, tanto ingleses como estadounidenses. Autores como Dashiell Hammet, James Cain o Raymond Chandler (quien además participó como guionista en varias películas del género), reconocidos escritores de novela negra, vieron sus obras envueltas en adaptaciones cinematográficas.
Sin embargo, no es únicamente una influencia literaria lo que destaca en este género, pues tiene consigo una marcada presencia de lo que en Alemania fue el expresionismo, ambos surgidos dentro de un contexto caótico (como la guerra o la gran depresión). Con la presencia de directores del expresionismo alemán en Estados Unidos, Hollywood adquirió rasgos característicos de este movimiento, tales como la utilización de técnicas de iluminación para ilustrar estados psicológicos de los personajes. Si ya la presencia literaria estaba cargada de escrituras tremendamente visuales, en el cine también se marcó una manera de mostrar, distintivo de otros géneros. Roger Ebert, uno de los críticos cinematográficos estadounidenses más reconocidos, expresó que el cine negro más que tratarse de una narrativa, se trataba de un estilo. Uno marcado por claroscuros.
Aquí nos encontramos ante un género en donde sus personajes, a menudo marcados por un pasado oscuro, nos muestran una sociedad violenta en medio de un ambiente fatalista. Personas ambiciosas pero también frágiles, condenadas en su lucha individual por sobrevivir. Detectives, millonarios, la presencia de la femme fatale, nos permiten observar que la crueldad atraviesa toda la sociedad, independientemente de las clases sociales. Mostrándonos a su vez personajes más humanos, contradictorios, ambiguos, difuminando la frontera entre buenos y malos, atravesados por relatos marcados por la intriga, pues todos tienen algo que esconder y la violencia puede estar expresada en cualquier persona y en cualquier lugar.
EL HALCÓN MALTES
Dir. John Huston / 100 min / Estados Unidos / 1941
Este filme, considerado como uno de los primeros del género y basado en la novela homónima del escritor Dashiell Hammett, narra la historia de Sam Spade (Humphrey Bogart) un detective privado, solitario y con un sentido personal de la ética, característica que lo convirtió en uno de los primeros antihéroes cinematográficos. En su pequeña oficina, ubicada en un apartamento en San Francisco, Spade recibe a Ruth Wonderly, mujer que lo contrata para encontrar a su hermana desaparecida. Desde este momento el detective comenzará a estar envuelto en problemas cada vez mayores, que se acentuarán al descubrir que está en medio de la búsqueda de una estatuilla de oro y piedras preciosas: el Halcón Maltés.
PACTO DE SANGRE (PERDICIÓN)
Dir. Billy Wilder / 107 min / Estados Unidos / 1944
Walter Neff es un agente de seguros que planea, con una de sus clientes, estafar a la compañía en la que trabaja. El plan es simple: asesinar al marido de la mujer y quedarse con el gran seguro que le dejó a su esposa. A pesar de la sencillez de la estrategia, el proyecto se complica por la intromisión de otro agente de seguros que comienza a investigar el presunto fraude. Esta película co-escrita por Billy Wilder y Raymond Chandler es una adaptación de la novela Double Indemnity realizada por James M. Cain, además es reconocida como un clásico de cine negro y es famosa por su trama llena de suspense y giros sorpresivos e impredecibles.
EL TERCER HOMBRE
Dir. Carol Reed / 104 min / Estados Unidos / 1949
Holly Martins, un escritor sin éxito, decide viajar desde Estados Unidos a Viena por la promesa de un trabajo seguro realizada por su amigo, Harry Lime. Al llegar se encuentra con la muerte de su compañero, quien falleció en un accidente tras ser atropellado por un coche. Transitando las calles de la ciudad y conociendo a la que fue la prometida de Lime, Martins, se da cuenta que las fichas del deceso de su amigo no concuerdan. Después de conocer que su colega estaba implicado en el mercado negro y que en el lugar del incidente se encontraba una persona de más (al contrario de las dos que comentaban los testigos), decide llegar hasta las últimas consecuencias para descubrir qué ocurrió con su compañero de infancia. Este filme está basado en la exitosa novela homónima, escrita por Graham Greene.
LA JUNGLA DE ASFALTO (MIENTRAS LA CIUDAD DUERME)
Dir. John Huston / 112 min / Estados Unidos / 1950
Considerada como una de las mejores obras del Cine Negro, este filme basado en la novela homónima de W. R. Burnett, relata la historia del robo de una joyería planeado por Erwin "Doc" Riedenschneider, mítico ladrón que, gracias a la libertad condicional, vuelve a las calles. En la búsqueda para cumplir su objetivo, “Doc” reúne a un equipo de delincuentes experimentados y se asocia con el abogado Alonzo Emmerich. Aunque parece que el plan salió a la perfección, un grave error y la desconfianza de los miembros del grupo obligan al protagonista a tomar una serie de decisiones que podrían no ser las correctas.
Viernes de Noviembre
TRISTEZA Y SOLEDAD EN EL SIGLO XXI
Ciclo curado por Carlos Andrés Rocha Herrera, estudiante de la Escuela de Comunicación Social.
El cine como extensión de la emoción humana encuentra, en el siglo que ya corre, el reto de representar la confrontación entre los sujetos interconectados y las sociedades individualizadoras. Lloran ahora los espectadores a centímetros de sus pantallas de cristal líquido, se pierden las narrativas de luchas contra la naturaleza y las fuerzas desconocidas; y nacen los conflictos de un mundo que se comunica desde la soledad de sus nuevas formas de vivir. Este ciclo expone cuatro películas de distinto origen que encuentran como punto en común la exploración de la emotividad en una época en formación, aquel vacío emocional de la vida moderna donde los sentimientos, motivaciones e intenciones están en gestación junto con nuevas narrativas, llenas de miradas perdidas y sensaciones comunes.
MELANCOLÍA
Dir. Lars von Trier / 136 min / Dinamarca / 2011
Con el paso del planeta Melancolía junto a la tierra y la duda de si este provocará el fin del mundo conocido, Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgard) deciden celebrar su boda antes de que llegue a suceder. Las emociones que enfrentan cuando el final de todo aquello que les rodea es tan probable y los dilemas familiares que afloran en medio de la catástrofe sirven al director Lars Von Trier para introducirnos en la pequeñez humana, sus rituales y los simbolismos que le dan forma, pero también la constante insatisfacción. La melancolía por un mundo en riesgo, junto con el planeta Melancolía, como augurio de la catástrofe desconocida, llena de una permanente tristeza y ansiedad a los personajes en medio de un apocalipsis con fondo musical de Tristan e Isolda.
PURO VICIO
Dir. Paul Thomas Anderson / 149 min / Estados Unidos / 2014
En una misión llena de caminos sin salida el detective privado Doc Sportello (Joaquin Phoenix) se dedica a encontrar un constructor inmobiliario desaparecido (Eric Roberts) a petición de su añorada exnovia Shasta (Katherine Waterston) , todo esto en medio de una sociedad que comienza a cambiar de un hipismo comunitario en decadencia a un sistema capitalista paranoico y acaparador. Con una narración intencionalmente cargada de historias cruzadas y basado en una novela de Thomas Pynchon, el director Paul Thomas Anderson nos embarca en la lucha de un héroe triste y solitario contra enemigos exóticos como neo-nazis, la CIA y colectivos religiosos, usando esto como reflejo de épocas convulsivas y un personaje que, como el espectador, no logra ver la historia en su totalidad si no los retazos individuales y condenados a mantenerse aislados.
THE LOBSTER
Dir. Yorgos Lanthimos / 119 min / Grecia / 2015
Un hotel donde los solteros deben encontrar pareja so riesgo de convertirse en un animal que ellos mismos escogen a su llegada, una sociedad donde conseguir compañía es una competencia cuyas estrategias y metodologías son caricaturizadas y un hombre que enfrenta la soledad desde la vergüenza y la timidez. Estas son las particulares premisas de las que parte Lanthimos para brindarnos un exótico drama sobre la conquista romántica y la decepción amorosa, en los tiempos de la soledad como enfermedad los ganadores de la competencia obtienen como premio cazar a los solteros perdedores. Con Collin Farrell y Rachel Weisz en los protagónicos, esta película pone nuestras formas de interpretar el amor romántico y la compañía en una reflexiva y cómica situación de jaque.
LA GRANDE BELLEZZA
Dir. Paolo Sorrentino / 172 min / Italia / 2013
La historia del periodista Jeb Gambardella, interpretado por Toni Servillo, con solo un gran éxito literario en su carrera y condenado a un estilo de vida donde el arte y la fiesta son el consuelo de las existencias viejas y solitarias, es la película que Sorrentino desarrolla con el poderoso estilo visual que lo caracteriza. Personajes enfrentados a la vida que se acaba y el desasosiego de no poder hacer nada al respecto, junto con las mentiras que construimos para cubrir todo aquello que no podemos soportar, son el motor de una película que le propone al espectador un reto emocional, descubrir la frivolidad en la pertenencia, retar la comodidad de los falsos espacios sociales en los cuales nos sentimos seguros, es decir, cuestionar nuestros métodos de escape a la soledad.