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Cinemateca
Jueves de Abril
DOCUMENTAL CONTEMPORÁNEO
Tradicionalmente el documental ha estado vinculado al esfuerzo de explicar el mundo de forma racional. Podemos decir que se distancia de otros géneros audiovisuales por su intención de objetividad y registro de “lo real”.
A pesar de que algunos teóricos hablaron en momentos tempranos del documental como una “interpretación de la realidad”, la idea de objetividad permaneció vigente hasta que, con la evolución de la tecnología cinematográfica y la multiplicación de canales y medios para el consumo, el estatus del documental entra en crisis pues por parte de los espectadores y realizadores surgen nuevas demandas temáticas y estilísticas, además de los complejos cambios socio culturales enmarcados a mediados y finales del siglo XX. El nuevo documental, el documental contemporáneo, avocan al espectador y realizador a salir de su zona de confort y los invitan a nuevos espacios de creación y experimentación.
WAR DANCE
Dir. Sean Fine, Andrea Nix / 105 min. / Estados Unidos / 2007
Rose, Dominic y Nancy son tres niños que junto a otros miles de escolares de Uganda viajan hacia la capital, Kampala, para participar en el importante concurso anual de música y danza. Ellos representan a la escuela del campo de refugiados de Patongo: el único hogar que conocen. Los tres cantan y bailan para olvidar que el futuro les depara poco, que viven de la caridad internacional y sobre todo para superar el horror de haber sobrevivido al asesinato de sus familias. Mejor Dirección: Sundance 2007.
LA TEORIA SUECA DEL AMOR
Dir. Erik Gandini / 90 min. / Suecia / 2015
El tópico define a Suecia como un modelo de sociedad avanzada con una elevada calidad de vida. Pero, ¿es realmente un país feliz? ¿Es posible que la población más autónoma e independiente del mundo esté insatisfecha? Sin la necesidad de pedir ayuda o favores, el contacto humano queda reducido a la mínima expresión. Cada vez hay más madres solteras que tienen hijos a través de la inseminación artificial. El número de gente que muere sola aumenta año tras año. ¿Merece la pena asumir el aislamiento y la soledad para tener una vida autónoma e independiente? El iconoclasta director Erik Gandini explora el estilo de vida sueco con sentido del humor, reflexionando sobre cómo una vida segura y fácil puede convertirse en una existencia vacía y solitaria.
THE STUART HALL PROJECT
Dir. John Akomfrah / 95 min. / Reino Unido / 2013
Activista antinuclear, activista de Nueva Izquierda y padre fundador de los Estudios Culturales, este documental entreteje 70 años de película de Stuart Hall, radio y apariciones en televisión, y material de su archivo privado para documentar una vida memorable y construir un retrato de todo un intelectual radical de Gran Bretaña.
THE EAGLE HUNTRESS
Dir. Otto Bell / 87 min. / Estados Unidos / 2016
Documental que sigue a Aisholpan, una niña de Mongolia de 13 años que lucha contra una arraigada cultura misógina para convertirse en la primera cazadora de águilas en 2.000 años de historia dominados por hombres. Apoyado en una espectacular fotografía aérea y un metraje cercano y real, la película captura su travesía personal a la vez que aborda temas universales como el empoderamiento de la mujer, el mundo natural, la entrada en la edad adulta y el arranque de la modernidad. Mejores documentales del año: National Board of Review (NBR) 2016.
Miércoles de Abril
DOCUMENTAL ANIMADO
Ciclo curado por Jorge Arturo Ruiz Hurtado, estudiante de la Escuela de Comunicación Social.
¿Al hablar de documental animado caemos en una contradicción? El primero ha sido considerado hasta el día de hoy como un dispositivo que intenta retratar la realidad desde una visión objetiva del mundo. Claro que esta perspectiva, en la actualidad, ha sido criticada fuertemente por diferentes teóricos y realizadores; pero, cuando el término documental es dicho, es difícil no ligarlo o darle una connotación cercana a “lo real”. Este es el efecto documentalizante, fenómeno mencionado por Roger Odín, importante teórico en el área de estudio. Por otro lado, el término “animado”, ha sido percibido como una visión subjetiva de la realidad, a pesar de que fue el dispositivo usado para retratarla por casi la totalidad de la existencia de la especie humana.
Las pinturas y grabados en la Cueva de Altamira fueron los primeros intentos, conocidos hasta el momento, en los que el ser humano trató de retratar su entorno. Es así como desde el periodo Paleolítico, pasando por el Neolítico, los intentos en la edad Antigua como en las pirámides de Giza; hasta el renacimiento, el Neoclasicismo, entre otros movimientos artísticos y pictóricos validaron su forma de representar la realidad.
Pero entonces, ¿Por qué de un momento a otro se desvalorizó esta forma de representar? La respuesta se encuentra en los nuevos dispositivos que se empezaron a usar para ese fin. La invención de la cámara fotográfica (1826) y posteriormente la del cinematógrafo (1895), en todas sus formas, desplazaron esas antiguas formas de retratar, pues, estas herramientas “mostraban la realidad tal cual es”.
A pesar de esto, el desarrollo de la animación también ocurría, de manera alterna, al del cine documental. La primera mitad del siglo XX tuvo, sin prejuicios, una relación muy cercana de estos dos dispositivos. Ejemplo de ellos son películas como The Sinking of the Lusitania de Winsor McCay; Einstein's Theory of Relativity producido por Disney y Why We Fight de Robert Capa, entre otros. A pesar de que algunas de ellas no eran piezas totalmente animadas, la relación animación-documental no era contraproducente al evaluar el grado de verosimilitud de estas producciones.
No fue hasta mediados de la década de los sesenta, con el surgimiento del Cine Directo y el Cinema Verité, que se empezaron a formar los límites de lo real en el documental. Estos dos movimientos cinematográficos, en sus formas, argumentaban encontrar la verdad en la observación sin intervención (Cine Directo) o mostrarla al mismo tiempo que se negaba, evidenciando que esa verdad es moldeada por los realizadores y no puede escapar de este control (Cinema Verité). El surgimiento de estas dos corrientes significó un duro golpe para la animación, una deslegitimación completa.
Han pasado más de sesenta años desde que se desligó, al menos oficialmente, la animación de lo real. A pesar de esto, el viaje por estas seis décadas ha significado para la sociedad una crisis de la verdad. La posmodernidad trajo consigo la ruptura de los dogmas y la incredulidad hacia los organismos de la verdad. Las ciencias, creencias e ideologías terminaron siendo solo puntos de vista para ver el mundo. En esta ruptura, en el terreno documental, empezaron a emerger diferentes ensayos que renunciaron a la forma objetiva de ver la realidad de los movimientos ya mencionados, para explorar nuevas maneras de ver y de re-presentar. Aquí es donde, poco a poco, el documental animado ha ganado fuerza. Son pocos los títulos que han surgido en estos periodos, pero significan un gran avance para el desarrollo de este género. En palabras del investigador Alejandro Cock P.: “Todas las formas de documental son solo RE-presentaciones de la realidad y en este sentido, una animación no es diferente a ningún otro estilo.”
CHICAGO 10
Dir. Brett Morgen / 110 min. / Estados Unidos / 2007
Esta cinta, dirigida por Brett Morgen, narra la historia del juicio contra los llamados “Chicago Seven”, un grupo de activistas señalados con los cargos de conspiración, incitación al desorden y conspiración por los disturbios contra la guerra de Vietnam presentados en 1968 en Chicago en la Convención Nacional Democrática. El film muestra cómo este grupo de jóvenes enfrenta con valor y argumentos a una fuerza opresiva y armada del Estados Unidos de esa época; demostrando que los disturbios no fueron iniciados ni planeados por ellos si no que fue la respuesta al avasallamiento de los uniformados. En esta cinta, Morgen, mezcla material de archivo y animación, para hacer una reflexión sobre la guerra en Afganistán que sucedía por ese entonces: “Creo que al final, las personas que esperan que “Chicago 10” sea una lección de historia de 1968 van a estar muy decepcionadas porque no se trata de 1968, se trata del 2008” (Brett Morgen).
La decisión del realizador para dar este tratamiento a su film se enfocó a la audiencia a la que quería llegar: lo jóvenes. Un ritmo acelerado y una sonoridad contemporánea eran necesarias para cumplir con el objetivo. Por otro lado, era consciente que no quería mostrar una realidad objetiva, por eso desde el inicio de la producción se planteó este juego entre la animación y el archivo. “…pero Hayden ayer hizo un comentario en el New York Time que encontré un poco perturbador, el decia: “Hay un peligro en teatralizar la historia”. Pensé algo como: No, actualmente hay peligro en tratar de sugerir que hay una forma objetiva de presentar la historia” (Brett Morgen).
IS THE MAN WHO IS TALL HAPPY?
Dir. Michel Gondry / 89 min. / Francia / 2013
Este documental es el producto de dos conversaciones que suman un total de tres horas realizadas por el aclamado realizador Michel Gondry y Noam Chomsky. En este film el autor experimenta y está en una constante búsqueda del significado y entendimiento de las palabras y perspectivas del famoso lingüista y activista norteamericano. La infancia, los recuerdos, el desarrollo de la gramática y el lenguaje en el ser humano y la pasión de Chomsky por Isaac Newton son los temas a los que Gondry tratará de darle forma y color mientras son presentados en la pantalla. No es tarea fácil y el realizador nos mostrará constantemente su proceso, también sus intentos por comprender y su afán por mostrar la subjetividad del producto que hizo.
En esta película, el autor mezcla técnica de animación con dibujos hechos a mano y fragmentos de la entrevista grabada en una cámara de 16mm. Su principal objetivo es ser capaz de traducir un pensamiento tan complejo, estructurado y abstracto, “No podía atrapar la complejidad de su espíritu, pensaba que podría expresarlo a través de la animación. Lo iba a traducir a través del arte, porque la complejidad de lo que estaba diciendo, es considerado arte” (Michel Gondry).
TOWER
Dir. Keith Maitland / 82 min. / Estados Unidos / 2016
Narra la historia de la masacre ocurrida en la Universidad de Texas el 1 de agosto de 1966 perpetrada por Charles Whitman, también conocido como el “Francotirador de la torre de Texas”. Whitman, con una variedad de armas, subió al piso 28 de la emblemática construcción y disparó a las personas que cruzaban el campus. El incidente duró aproximadamente 96 minutos y terminó después de que el francotirador fuera abatido por un miembro de la policía texana; el resultado fueron 16 muertos y más de 30 heridos. Esta cinta, dirigida por Keith Maitland mezcla la animación con imágenes de archivo y entrevistas. Mediante los testimonios de los sobrevivientes, el filme construye el pasado y conecta todas estas vivencias; intercalando las historias y recreando el tiempo de los sucesos con la duración de la película.
Keith Maitland decidió usar la animación como herramienta para que los espectadores viajarán al pasado: “Quería transportar a la audiencia al pasado. Ese era el objetivo: crear una película que estuviera inmersa en 1966.” (Keith Maitland). De este modo sus protagonistas, a pesar de contar con más de cincuenta años, fueron presentados de la misma manera que en el incidente, “es como el acercamiento estándar de los documentales, pero no sentía que la acción y la sensación de ese día se iban a sostener si detenemos el discurso cada par de minutos para escuchar a una persona mayor hablar.” (Keith Maitland).
WALTZ WITH BASHIR
Dir. Ari Folman / 87 min. / Israel / 2008
Este film autobiográfico narra la historia de Ari Folman y su búsqueda de un acontecimiento que no está en sus recuerdos. Tras sufrir una serie de pesadillas, Folman se encuentra con un viejo amigo que le dice que la causa de sus malos sueños debe estar conectada con su participación, en su juventud, en una misión militar. Al no acordarse de estos hechos, el protagonista comienza a reconstruir sus recuerdos con las anécdotas de sus amigos y compañeros de servicio. Poco a poco Ari Folman conectará las historias y verá en su memoria las marcas de la perversidad de la Guerra del Líbano de 1982, más exactamente la Masacre de Sabra y Chatila que tuvo más de quinientas víctimas. Esta película, busca generar una reflexión de cómo funcionan nuestros recuerdos y el horror sufrido por soldados y civiles en guerras las guerras que los han obligado a vivir.
Esta cinta fue el primer documental, en los últimos años, en usar la animación como tratamiento discursivo a lo largo de film, (a excepción de la última imagen, procedente de grabaciones de archivo) para narrar una realidad histórica. Ari Folman se decidió por la animación porque, como se mencionó anteriormente, la película también trata sobre los recuerdos y cómo estos, a través del tiempo, se van transformando y cambiando: “En la exploración de la memoria y la fantasía, la animación tenía sentido para mí. Usé una combinación de animación con recortes y dibujo por computadora.” (Ari Folman).
Martes de Abril
NAOMI KAWASE
Naomi Kawase es una de las más aclamadas figuras del cine japonés moderno. Nacida y criada en Nara se graduó en Artes Visuales en Osaka en 1989. Sus películas han recibido reconocimientos y premios en varios y renombrados festivales de cine alrededor del mundo. EMBRACING y KATATSUMORI reciben reconocimientos y premios en el Festival Internacional de Cine Documental de Yamagata en 1995. Con su primera realización, SUZAKU (1997), se convierte en la directora más joven en ganar la Cámara de Oro en el Festival de Cannes. En el Festival de Cannes también obtiene el Gran Premio con MOGARI (2007), la Carrosa de Oro en 2009 y sirve como jurado en 2013. En 2015 le fue conferida la Orden como Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia. En 2017 HIKARI fue seleccionada como una de las películas en competencia y le fue entregado el premio del Jurado Ecuménico. Además de cineasta, es fundadora y directora ejecutiva del Festival Internacional de Cine de Nara.
La filmografía de Kawase se enfoca en las personas en la periferia de la sociedad japonesa e investiga su lugar en el flujo de la vida misma. Sus películas son matizadas, atentas y se preocupan por la lucha interna que nos lleva a conectarnos con los demás en nuestras vidas externas. Kawase privilegia los paisajes naturales y la forma en que la luz del sol juega con los rostros de sus personajes. Estos frecuentemente hablan como si buscaran verdades eternas desde la distancia. Más que películas nos enfrentamos a experiencias que expanden los sentidos, la mente y el corazón.
MOE NO SUZAKU
Dir. Naomi Kawase / 95 min. / Japón / 1997
La vida es dura en un lejano pueblo japonés. Kozo, el cabeza de familia debe mantener en un triste entorno a su madre, esposa, sobrino e hija. Cámara de Oro - mejor ópera prima: Festival de Cannes 1997.
EL BOSQUE DEL LUTO
Dir. Naomi Kawase / 97min. / Japón / 2007
Shigeki vive en una pequeña residencia de ancianos. Allí se siente a gusto y feliz con los demás residentes y con el personal que les atiende. Machiko, una trabajadora social que pertenece a dicho equipo, le presta especial atención, aunque en su interior le atormenta la pérdida de un hijo. Para celebrar el cumpleaños de Shigeki, Machiko decide llevarle a dar un paseo en coche por el campo. Pero el coche se queda parado en la cuneta. El anciano se interna con decisión en el bosque, y Machiko no tiene más remedio que acompañarle. Gran Premio del Jurado: Festival de Cannes 2007.
HANEZU
Dir. Naomi Kawase / 91 min. / Japón / 2011
En la región de Asuka, que es la cuna del Japón, hace mucho tiempo vivían los que disfrutaban del placer de la espera. En la actualidad, la gente ha perdido la capacidad de sentir ese placer, no es capaz de valorar el presente y se aferra a la ilusión de que las cosas evolucionan según un plan específico para cada uno. Hace mucho tiempo, la gente pensaba que en las montañas de Unebi, Miminashi y Kagu moraban los dioses. En esa época, un poderoso hombre de negocios había comparado esas montañas con una batalla que se libraba en su propio corazón. Las montañas eran una expresión del karma humano.
STILL THE WATER
Dir. Naomi Kawase / 110 min. / Japón / 2014
Los habitantes de la isla de Amami viven en armonía con la naturaleza, para ellos en cada árbol, en cada piedra y en cada planta vive un dios. Una tarde de verano Kaito descubre el cuerpo de un hombre flotando en el mar. Su amiga Kyoko le ayudara a descifrar el misterio. Crecerán juntos, aprendiendo a ser adultos descubriendo los ciclos de la vida, la muerte, el amor.
3 al 6 de abril de 2018
Martes 3 de abril de 2018
THE SQUARE, LA FARSA DEL ARTE
Ciclo: Arte, Impresiones y dolor
Dir. Ruben Ostlund / 142 min. / Suecia / 2017
El “Arte Contemporáneo” y los curadores y salas que lo convierten en “Arte”. La obra The Square es una exhibición que fomenta valores humanos y el altruismo, pero ¿qué tan cercano está éste “arte” de la vida diaria, de la cotidianidad? Palma de Oro (Mejor película) Festival de Cannes 2017. 6 premios incluido mejor película y director Premios del Cine Europeo 2017. Mejores películas extranjeras del año National Board of Review (NBR) 2017.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm
Miércoles 4 de abril de 2018
LAS HIJAS DE ABRIL
Ciclo: Muestras 2017
Dir. Michel Franco / 103 min. / México / 2017
Valeria tiene 17 años y está embarazada. Vive en Puerto Vallarta con Clara, su hermana de 34 años. Valeria no quería que su madre, a menudo ausente, estuviera al corriente de su embarazo, pero, a causa del coste y de la responsabilidad que entraña un niño, Clara decide recurrir a ella. Abril se instala, aparentemente deseosa de ayudar a sus hijas, pero con la llegada del bebé su comportamiento cambia y las reticencias de Valeria a pedirle ayuda se justifican cada vez más.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm
Jueves 5 de abril de 2018
SHE'S BEAUTIFUL WHEN SHE'S ANGRY
Ciclo: Documental Contemporáneo
Dir. Mary Dore / 92 min. / EEUU / 2014
En los años 60’s y bajo el lema de “lo personal es político” un grupo de mujeres funda una nueva corriente feminista en Estados Unidos. Su lucha sigue siendo ignorada por muchos relatos de la historia oficial, aunque fueron temidas por el FBI y cambiaron toda una sociedad.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm
Viernes 6 de abril de 2018
GET OUT
Ciclo: PODER NEGRO – La lucha por los derechos civiles en Estados Unidos
Dir. Jordan Peele / 103 min / EEUU / 2017
Divertida y terrorífica crítica social donde la tensión e incomodidad nacen del racismo que aun aqueja a las sociedades modernas. Una pareja interracial viaja a conocer la familia blanca de la chica y lo que parece una situación algo embarazosa por la diferencia de color es realmente algo más espeluznante. Nominada a mejor película, director, guion original y actor (Kaluuya) Premios Oscar 2017. Nominada a mejor película comedia y actor comedia (Kaluuya) Globos de Oro 2017. Nominada a Mejor actor (Kaluuya) y guión original Premios BAFTA 2017.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm
20 al 23 de marzo de 2018
Martes 20 de marzo de 2018
RODIN
Ciclo: Arte, Impresiones y dolor
Dir. Jacques Doillon / 119 min. / Francia / 2017
A partir de las diferentes relaciones amorosas que sostuvo Rodin con artistas, asistentes y modelos, las más largas de ellas con su esposa Rose Beuret y la escultora Camille Claudel, esta película hace un recorrido biográfico por la vida del artista. Sección oficial Festival de Cannes 2017.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm
Miércoles 21 de marzo de 2018
BEACH RATS
Ciclo: Muestras 2017
Dir. Eliza Hittman / 95 min. / EEUU / 2017
En la película ganadora del Sundance, Frankie es un típico Beach Rat (rata de playa): un chico musculoso y sin norte que atraviesa una crisis de identidad. Él pasa sus fines de semana fumando hierba, jugando handball y tomándose selfies frente al espejo de su sótano. Ante sus amigos pretende ser heterosexual, sosteniendo un romance perfecto con la chica de los fuegos artificiales de Coney Island. Al tiempo, Frankie coquetea online con tipos más viejos, con quienes intercambia fotos provocativas y tiene encuentros en los matorrales de la playa. Mejor director – Drama Festival de Sundance 2017.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm
Jueves 22 de marzo de 2018
DETRÁS DE CÁMARA Y CONVERSATORIO CON WILLIAM VEGA, DIRECTOR DE SAL
Invitación especial a toda la comunidad universitaria al conversatorio con William Vega director de la película SAL que se estrena el próximo mes de abril a nivel nacional. L@s esperamos el jueves 22 de marzo a las 4:00 pm en el auditorio Carlos Restrepo (edificio 316, Tulio Ramírez) para ver el detrás de cámara de la película y tener un intercambio de preguntas – respuestas con el director y otros integrantes del equipo productor.
Auditorio Carlos Restrepo, edif. 316, Tulio Ramírez. 4:00 pm
Jueves 22 de marzo de 2018
FASCISM.INC
Ciclo: Documental Contemporáneo
Dir. Aris Chatzistefanou / 83 min. / Grecia / 2014
Desde su nacimiento en la Italia de Mussolini hasta la Grecia contemporánea, este documental devela los verdaderos nexos entre los gobiernos fascistas y la economía capitalista de las diferentes épocas y lugares en que se desarrolla esta ideología.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm
Viernes 23 de marzo de 2018
ENMIENDA 13
Ciclo: PODER NEGRO – La lucha por los derechos civiles en Estados Unidos
Dir. Ava DuVernay / 100 min / EEUU / 2016
Después de la Guerra Civil entre el norte y el sur de los Estados Unidos, el segregacionismo y más adelante políticas como “la guerra contra las drogas” y la de “La Ley y el Orden” de los años 60’s y 70’s solo buscan el control de la comunidad negra y seguir garantizando mano de obra barata a las grandes empresas. A través de una profunda y bien fundamentada investigación sobre el sistema carcelario estadounidense, DuVernay argumenta como las cárceles son solo una fábrica de trabajo gratuito que afecta casi al 80% de hombres negros en Norteamérica. Mejor Documental Premios BAFTA 2017.
Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm