Cinemateca

PODER NEGRO – La lucha por los derechos civiles en Estados Unidos

En Estados Unidos, solo hasta 1863, fue decretada la libertad de los esclavos mediante la Proclamación de la Emancipación promulgada por el presidente Abraham Lincoln. Pero “el sueño americano” no era un sueño para todos… el “sueño americano” era para los blancos. La población negra es “liberada” de la esclavitud sin educación, sin tierras, sin ningún tipo de política que le garantizara su incorporación en igualdad de condiciones a esa sociedad. Además, la comunidad negra, sobretodo en el sur de los Estados Unidos, se convierte en el nuevo chivo expiatorio de todos los males que le aquejan a la sociedad estadounidense. El negro es el nuevo enemigo. 

A través de la segregación y de leyes que impunemente favorecían a los asesinos de negros, la población negra es relegada a la condición de ciudadanos de segunda y a la miseria. Pero el mundo gira y para los años 50’s y 60’s del siglo pasado movimientos internacionales de contracultura estimulan nuevas luchas y formas de leer el mundo.

Las películas que presentamos en este ciclo dan cuenta de algunos aspectos de la lucha por los derechos civiles que ha atravesado a la comunidad estadounidense y que llega hasta nuestros días. En The Black Power Mixtape (1967-1975) tendremos acceso a una serie de imágenes de archivo que fueron elaboradas por varios directores suecos encargados de documentar el movimiento Black Power y que, a través de los comentarios de varios artistas y activistas actuales, Göran Olsson nos presenta y reinterpreta. I’m Not Your Negro es un emotivo documental basado en un texto del escritor James Baldwin que da cuenta del pensamiento y nexos afectivos y de amistad que Baldwin tuvo con algunas de las más importantes figuras del movimiento de lucha por los derechos civiles. En Enmienda 13 nos encontramos con un grupo de expertos y activistas políticos que analizan como el proceso de criminalización de la comunidad negra en Estados Unidos responde a políticas de estado, que datan del siglo XVIII, y que buscan expropiar la mano de obra negra en beneficio de multinacionales y de la economía capitalista (cómo funciona la esclavitud en los Estados Unidos del siglo XXI). Y por último Get Out, un triller que solo es posible gracias a la incomodidad que todavía nos genera el racismo y el sentirnos “diferentes”. 

DOCUMENTAL CONTEMPORÁNEO

A principios del siglo XX cuando inauguraba el cine documental con sus películas Nanuk el esquimal y Moana, Flaherty decía: “La finalidad del documental, tal como yo lo entiendo, es representar la vida bajo la forma en que se vive. Esto no implica en absoluto lo que algunos podrían creer; a saber, que la función del director del documental sea filmar, sin ninguna selección, una serie gris y monótona de hechos. La selección subsiste, y tal vez de forma más rígida que en los mismos films de espectáculo. Nadie puede filmar y reproducir, sin discriminación, lo que pase por delante, y si alguien fuese lo bastante inconsiderado como para intentarlo, se encontraría con un conjunto de fragmentos sin continuidad ni significado, y tampoco podría llamarse film a ese conjunto de tomas.”

La intensión subjetiva que Flaherty atribuye a sus películas no es el atributo que ha caracterizado a el cine documental históricamente, solo después de los años 80’s y de mucha “teorización” los directores y creadores contemporáneos asumen y evidencian esta característica en sus creaciones. 

Históricamente el cine documental se ha construido sobre la idea de la objetividad. El diseño de un discurso que se dirige directamente al espectador y de un argumento que nos oculta la presencia del director permitió durante años vivir bajo el espejismo de estar presenciando la realidad desde una mira objetiva. Pero no todos participaron del espejismo, para muchos era clara la intencionalidad del discurso y esta fue aprovechada y puesta al servicio de las necesidades persuasivas del poder en turno. Documentales como El triunfo de la voluntad (1934) de Leni Riefenstahl hasta La batalla de San Pietro de John Huston (1945) o la serie Why we fight de Frank Capra (1942-45) fueron eficaces mecanismos de persuasión ideológica. 

Para los años 60’s surgen nuevas propuestas como el cinéma vérité y el cine directo que insisten en su intensión de objetividad, o por lo menos de neutralidad. Pero a pesar de estas búsquedas, la objetividad es un imposible. El simple hecho de que el ojo del director delimite la realidad a través del visor de la cámara implica una lectura subjetiva. Es a partir de esta certidumbre que los nuevos documentalistas empiezan a evidenciar su subjetividad en sus propuestas. 

Para este ciclo tenemos cuatro documentales que por un lado nos presentan personajes y sus situaciones como son AMERICAN ANARCHIST de Charlie Siskel y BAMBI de Sebastien Lifshitz, y por otro, documentales con fuertes argumentos ideológicos y con intensión de evidenciar realidades desconocidas como son FASCISM.INC de Aris Chatzistefanou y SHE'S BEAUTIFUL WHEN SHE'S ANGRY de Mary Dore.

MUESTRAS 2017

Ciclo curado por Miguel Ángel Baralt, estudiante del Programa de Historia

Aunque un poco aventajado, este inicio de año no se puede quedar sin la retrospectiva habitual que intenta retomar lo mejor del paisaje cinematográfico de ficción -a nuestro alcance- estrenado el año pasado y que consiste, sobre todo, en películas estrenadas en Europa, Estados Unidos, Latinoamérica y en menor medida, lamentablemente, Asia. Sabemos, poco y nada conocemos de lo realizado en el continente africano sino es por la muestra itinerante MUICA. Un ejercicio de recapitulación así consiste, en ultimas, en descartar más que en seleccionar. Así fue para nosotros: primero fueron las películas que se vivieron con mayor expectativa y llegaron a cartelera sin mayor problema por su comprobada recepción, pues vienen a formar parte de un identificado nicho de exhibición del mainstream norteamericano conocido como cine de culto, indie o alternativo (¿?) caso ¡Madre!  (Darren Aronofsky), La forma del agua (Guillermo del Toro), Paterson (Jim Jarmusch), The Post (Steven Spielberg), Dunkerque (Christopher Nolan), El hilo fantasma  (Paul Thomas Anderson) y hasta Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve); solo por poner algunas. Otras descartadas fueron las seleccionadas por festivales europeos a inicios de año como gemas: un conjunto que podríamos decir viene alimentando el ya reconocible tono decadente y pesimista de la cinematografía de los países Europeos: películas incomodas pero necesarias como Loveless (Andrey Zvyagintsev, Rusia), The Square (Ruben Östlund, Suecia), The Party (Sally Potter, Reino Unido), The Killing of a Sacred Deer (Yorgos Lanthimos, Reino Unido) y Happy End (Michel Haneke). Muestra del cine que se esfuerza en continuar con la caracterización de personajes alienados, cansados e ineptos frente a un mundo moderno que los traga y los devuelve para que sean cuerpos que exponen su incapacidad de habitar el mundo, su imposibilidad de comunicarse y transitar el sucesivo aislamiento y desamparo con respecto a las instituciones que tanto prometen a estos personajes que viven en entornos de hipocresía y cinismo. Por ultimo no podemos dejar de nombrar, así solo sea con ánimos de terminar este catálogo lo más nutrido posible, esas películas que aún se encuentran en exhibición y que hacen fila esperando la gala de los premios de la industria norteamericana, y que por lo demás, configuran el nuevo paisaje del cine independiente norteamericano:  The Florida Project (Sean Baker), Lady Bird (Greta Gerwig), Huye/Get Out (Jordan Peele), The Disaster Artist (James Franco), Call me by your name (coproducción entre estados unidos, Brasil e Italia).

Entonces quedaron unas pocas, extrañas y fuertes, que decidimos no dejar pasar al espectador inquieto mientras tratamos de abarcar un panorama amplio en cuanto a regiones culturales se refiere, pues nos parece, es en ultimas lo que determina los elementos con los que se construye todo film: lo que universaliza su singularidad. Así, dos películas de origen europeo: por un lado, la finlandesa El otro lado de la esperanza del reconocido director Aki Kaurismaki, y por el otro, y aún en Europa -aunque ahora sobre el mediterráneo de viñedos y bosques cálidos- nos quedamos con Verano 1993. Del cine joven e independiente norteamericano nos dejamos llevar por el siempre bueno festival de sundance y uno de sus últimos hallazgos: Beach Rats. Reseñada por la revista Vice con el sugerente título de “Cuando el homoerotismo se encuentra con la mirada femenina”. Por último, una película de esta parte del mundo, tan brutal, cruda y honesta como todo lo emprendido por el mexicano Michel Franco, que este año nos mostró la historia de Las hijas de abril. 

ARTE, IMPRESIONES Y DOLOR 

Ciclo curado por Javier Mojica Madera, Docente Investigador, Departamento de Artes Visuales y Estética

“La antropología visual es una antropología de la mirada, pero no de cualquier mirada, sino de la que recae sobre el otro y también de la que se vuelve sobre la propia sociedad tras haber recorrido los caminos de la diferencia”. Columbres, Adolfo. La descolonización de la mirada. Ediciones ICAIC. Instituto cubano de arte e industria cinematográfica. 2012. La Habana, Cuba.

El ciclo inicia con un hermoso film que nos permite descubrir y vivir la amistad que se construye desde el año 1852 a 1899 entre dos grandes del arte: Paul Cezanne y Emily Sola. Amistad que se construye sobre la base del encuentro y el desencuentro. Cada uno busca su propia voz, su propia mirada, que le permite construirse a sí mismo, con sus propias posturas ante la realidad y el contexto político. Las escenas nos permiten conocer como el artista como ser creador siempre se enfrenta a encontrar su propia expresión, que no será la que ha sido aceptada, porque se impone romper y crear una nueva lectura del mundo, ese es su reto. Es así como Daniel Thomson, nos describe de una manera genial estas vidas en paralelo que representan el marco en el que se teje esta historia.

Otro de los films que nos permite conocer a uno de los grandes exponentes del movimiento impresionista: Amando a Vincent. No importa que su vida terminara en el suicidio porque todos los que le conocieron aprendieron de él un valor importante: Ver y leer el conjunto, pero centrar la mirada en el detalle presente en el color, en el encuadre, la luz, en una sensación de movimiento cargado de emoción y melancolía.                                                                                                    

Bella animación dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, retrato de su vida y obra, que nos lleva a descubrir a uno de los artistas más importantes de la pintura contemporánea. Irrepetible, nadie podrá olvidarlo, como tampoco su sufrimiento. Vincent, su locura, su obsesión, su esquizofrenia en medio de paleta de amarillos, azules, violetas, verdes, blancos y naranjas que nos invaden, y nos asombran, aunque no comprendamos completamente. Vincent nos entregó esa mirada vertiginosa y vibrante de la realidad.

El director Jacques Doillon, nos introduce con el fondo musical de violín, en el estudio de Auguste Rodan, y lentamente nos muestra con un paneo las esculturas del maestro quien con una frase plantea el oficio del escultor: “es en el barro donde encuentro mis formas. Quiero manos retorcidas, senos palpitantes, como si el demonio se los fuera a llevar. La jerarquía de los materiales comienza en el oro y termina en la arcilla, pero la arcilla, va primero”.  El dialogo inicia con Camille Claudell, con la que construye una relación de amor tormentoso y absorbente. Ella admira al artista y es su asistente, pero además compañía de su obra. Sus esculturas parecen demostrar su relación y contacto con la naturaleza. La cuál es su inspiración. Sus formas nos trasladan a un acto de vértigo, pasión, tormento y muerte. El tiempo parece detenerse en su taller mientras busca la forma, el volumen y movimiento de sus esculturas. La historia avanza mientras Rodan nos demuestra con sus manos y con sus palabras esta afirmación: “No ha existido nadie como los griegos para mostrarnos la belleza del cuerpo humano”.

Finalizando el ciclo de cine Arte, impresiones y dolor nos encontramos con una de los films más sorprendentes de los últimos años: “El fraude del arte”, dirigida por Ruben Ostlund (Palma de oro y premio de cine europeo a la mejor película de 2017), el cual nos introduce con una pregunta: ¿quién y cómo se toma la decisión de cuál es el objeto de arte válido para presentarse en un museo? Esta pregunta es el hilo que conduce la narración de esta historia sobre los límites que puede tener un curador de un museo de arte contemporáneo, ante la necesidad de competir con las nuevas formas de expresión de vanguardia, y como estas formas se insertan en el contexto social y cultural de una Europa que vive la tensión social, producto de la llegada de inmigrantes motivada por la guerra. Toda gira ante la premisa de un cuadrado que se plantea como un santuario de confianza y solidaridad.