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Viernes de Octubre
REGIÓN SALVAJE: Sexo y monstruos en el cine de ficción.
Ciclo curado por Miguel Baralt, estudiante del Programa de Historia.
Esta selección toma en parte el nombre del último film del realizador mexicano Amat Escalante; que tras el estreno de La Región Salvaje en el festival de Venecia del año pasado, fue cuestionado por el viraje de su propuesta argumental naturalista -en películas que se han convertido en referentes del cine latinoamericano contemporáneo como Sangre (2005), Los bastardos (2008) y Heli (2013)- al terreno de la ciencia ficción, con el relato de una criatura alienígena que desciende a una pequeña población del México rural, donde la vida provinciana de sus habitantes jóvenes es alterada con la llegada de una mujer misteriosa que les convence de que en el bosque cercano, en una cabaña aislada, existe algo que no es de este mundo pero que es la respuesta a todos sus problemas. Su director explicó que más allá de su calculado homenaje a la cinefilia de las que se nutrió en los años 80 con films como Possession (Andrzej Zulawski, 1981), esta decisión se debía a que sólo con la intervención de este elemento fantástico, resolvió en la escritura la forma adecuada de enfrentar la hipocresía, la homofobia, el machismo y los valores de la familia tradicional que surgen en ciertas sociedades con respecto al sexo y el amor. La región salvaje, además de ser el lugar donde sus personajes derrotaban la inhibición de sus pulsiones sexuales, era también la lucha interna de ellos al enfrentarse a la deformación de la realidad que es la experiencia de la represión social y la imposición de los códigos morales sobre el deseo. Es este terreno donde cobraba sentido la aparición irregular de la criatura con tentáculos de su film: Algo a cuya fuerza no se pueden resistir y con lo que deben hacer paz o sufrir su ira. “Los personajes de mi película, aún si mueren, no sería en vano a lo que en realidad sienten y quieren”
Sobre esta perspectiva del carácter sistemático del cine de ficción, Román Gubern anotó hace décadas que los periodos de máximo desarrollo y originalidad de esta especie de apuestas cinematográficas (de monstruos y escenarios exagerados) corresponden siempre a situaciones sociales traumáticas: el cine expresionista alemán de la convulsionada república de Weimar en el marco de la inflación y los cambios sociales que desembocaron en el nazismo (1919-1926); los monstruos apocalípticos despertados en el cine japonés por las explosiones atómicas (1945); e inclusive los zombis de George A. Romero en los años 80 dentro del cine de terror norteamericano, con sus ciudadanos anexados por la lógica del consumo y que fueron la metáfora perfecta de quienes comenzaban a transitar las ciudades como muertos vivientes.
Aunque los films aquí seleccionados no pretenden ser una antología que sirva al análisis sociológico ni tampoco un medio para detenerse sobre las múltiples patologías que cada uno podría rastrear en los films (ya sabemos “la historia de la civilización humana nos enseña que la crueldad y el instinto sexual están íntimamente ligados”. Freud) tenemos sí la posibilidad de hacer mirada sobre la manera cómo diferentes cinematografías han representado las pulsiones sexuales. Esta selección incluye desde el cine de género norteamericano con El Ansia y la figura del vampiro; de Europa veremos El Anticristo y Amor Caníbal, donde no se trata de monstruos sino de rituales exagerados con respecto al sexo y el brote del deseo, tratado como una necesidad constitutivamente decadente. Cierra esta selección Tropical Malady de Apitchapong Weeraseghakul; el relato de un animal mitológico que no es metáfora sino la celebración de la presencia real del mito con respecto al amor entre dos hombres en la cultura popular tailandesa.
ANTICRISTO
Dir.: Lars von Trier / 2009 / 108min / Dinamarca
Película dividida en capítulos como casi toda la filmografía de Lars von Trier. Aqui, una pareja decide hacer un viaje al bosque para sobrellevar y enfrentar el doloroso proceso de duelo ocasionado por la muerte de su único hijo. Él, psiquiatra de profesión, la convence entonces de emprender un proceso de catarsis mediante la excursión a la cabaña llamada El Edén en donde pasó una temporada con su hijo mientras adelantaba una investigación sobre el feminicidio de mujeres en la época medieval. Sin embargo la terapia falla cuando la naturaleza comienza a influenciar a la mujer, cuando cada intento nuevo de enfrentar el miedo -que obedece entre otras cosas a un impulso sádico inconsciente del terapeuta por empujarla más cerca al dolor para poder observar- se convierte en un descenso hacia lo natural, hacia el miedo primario.
TROUBLE EVERY DAY (AMOR CANÍBAL)
Dir. Claire Denis / 2001 / 112 min / Francia
En Trouble Every Day hay varias historias de amor que suceden al tiempo. La primera la conforman una pareja de neuro-cientificos: él (Sémenau) se dedica a buscar el remedio a la enfermedad de su esposa, mientras ella (Coré), como la mantis religiosa, devora a los hombres que se dan en sus encuentros sexuales, encontrando siempre la manera de alimentarse de jóvenes intrusos mientras su esposo cree medicarla y mantenerla en cautiverio mientras cava las fosas para los cuerpos que ella ha dejado a medio devorar. La otra pareja es la que forman los recién casados Shane y June Brow, y que llegan a París a celebrar su luna de miel. Él trabajó en el pasado con la pareja de científicos y ahora es terriblemente consciente de que empieza a desarrollar los mismos impulsos que Coré, de modo que mientras intenta mantenerse estable y consciente, busca encontrar a Léo antes de que sea demasiado tarde y logre debilitarlo lo suficiente la carne humana como para ceder al canibalismo.
THE HUNGER (EL ANSIA)
Dir. Tony Scott / 1983 / 100 min / Estados Unidos
El mito de Drácula, tal como se comenzó a expandir en Europa luego de que el novelista Bran Stoker lo popularizara para la modernidad, era en sus inicios absolutamente misógino. Luego el cine, con el Nosferatu de F. W. Murnau, dotó de erotizaciones homosexuales al vampiro que desde entonces desea la sangre de mujeres y hombres por igual. Ya se conoce también que el vampiro libera a sus víctimas de toda atadura moral y las induce a entregarse sin ningún freno a sus impulsos; incluso aparece como uno de los apuntes más sugerentes del mito que el vampiro no despierta ningún apetito que su víctima no tuviera previamente.
De las decenas de actualizaciones que desde entonces la industria del cine norteamericano ha explotado alrededor del mito, la ópera prima de Tony Scott estrenada en los años 80, es recordada y catalogado hoy como película de culto sobre todo por sus excesos, tanto en términos técnicos como por su casting de sueño hollywoodense: David Bowie como el amante marchito de la vampiresa Catherine Deneuve, que, envejecido su amante, ahora fija su sed de sangre en la científica interpretada por Susan Sarandon.
TROPICAL MALADY
Dir. Apichatpong Weerasethakul / 2004 / 125 min / Tailandia
Tropical Malady está dividido en dos episodios. El primero de ellos es narrado por medio de una estructura convencional donde dos hombres se conocen y parecen quererse. Uno de ellos es un militar, que poco antes de ser recibidos en la casa de la familia campesina donde conocerá al segundo hombre, hemos visto patrullar las lindes de un bosque donde encuentran un hombre muerto, con el que bromean y se sacan fotos. Keng y Ton sostiene una relación muy tímida que no tendrá desarrollos complejos hasta que una noche, Ton lame la mano del Keng. Una vez comunicado su deseo se adentra en la selva mientras su compañero duda y no lo sigue a la oscuridad, en medio de la noche. En el siguiente capítulo ambos van a tener que enfrentarse a Un camino del espíritu; el segundo episodio de este film que sucede de forma no lineal, una puesta en escena que funde mito y realidad con la intervención de la cultura oral tailandesa en forma de textos y la aparición de una criatura mitológica que acechara al soldado en la selva virgen.
Viernes de Septiembre
GENERACIÓN BEAT
Ciclo curado por Natalia Casas, integrante del Colectivo 24 Cuadros.
La generación Beat, generación de cansados y desanimados norteamericanos, levantados en contra del “American way of life” de Eisenhower, fue iniciado a finales de la década de 1940 por un grupo de jóvenes escritores contestatarios y provocadores que trabajó en la edificación de la contracultura. La liberación espiritual y sexual, el hastío por los procesos de censura, la desmitificación y despenalización de las drogas, la transición del blues al rock and roll, la oposición a una sociedad militar e industrializada y el respeto por los pueblos originarios y sus tierras son los temas de la poesía de Allan Ginsberg, Jack Kerouac, W. Burroughs y otros tantos cansados y cansadas de los valores estadounidenses clásicos y el efecto de la segunda guerra mundial en la sociedad.
Las películas de este ciclo han querido recoger el aullido de esta generación y representar sus sentimientos de asco y opresión, que encontraron en la literatura el medio de transformación.
HOWL
Dir: Rob Epstein, Jeffrey Friedman / 2010 / 84 min / Estados Unidos.
“Aullido” es el nombre del poema insignia de Allen Ginsberg, quien lo escribe a los veintinueve años y que declara: “He visto las mejores mentes de mi generación destruidas por la locura” refiriéndose a los oprimidos por los valores rancios de la Norteamérica hipócrita de la familia feliz.
La película se desarrolla de forma no lineal entre la primera lectura pública que hizo Ginsberg de Aullido -en la Six Gallery- su acusación judicial por obscenidad tras la publicación del libro y retratos de su vida entre 1940 y 1950.
NAKED LUNCH
Dir: David Cronenberg / 1991 / 115 min / Canada.
“El almuerzo desnudo” es la adaptación de la novela homónima de Burroughs en la que después del trágico accidente sufrido por su mujer, un escritor que cae en la adicción a ciertas drogas, empieza a sufrir horribles alucinaciones que lo transportan a un mundo de pesadilla absolutamente kafkiano. La película está basada en hechos reales de la vida del autor y la accidental muerte de su esposa.
ON THE ROAD
Dir: Walter Salles / 2012 / 124 min / Estados Unidos.
La vida como un viaje continuo, el viaje como iniciación. Dos jóvenes escritores, encantados con la vida intensa y con la necesidad de encontrar algo más “allá afuera” emprenden un viaje desenfrenado por la visceral Norteamérica. La película es una adaptación de la novela homónima de Jack Kerouac. Esta obra emblemática de la generación Beat está basada en los viajes que Hicieron Kerouac y Neal Cassady por América del Norte en la década de 1940.
KILL YOUR DARLINGS
Dir: John Krokidas / 2014 / 104 min / Estados Unidos.
Es la historia de la relación de Ginsberg con Lucien Carr cuando eran estudiantes en Columbia: Carr era el joven problemático, objeto de deseo a quien Ginsberg debía dedicar la primera edición de Howl, y que estaba involucrado en un caso de asesinato. La obra también explora sobre el papel desempeñado por la violencia, la vergüenza y la negación en el nacimiento del latido y de la carrera de Ginsberg.