Cinemateca

LA COREOGRAFÍA EN FUNCIÓN DE CONTAR HISTORIAS EN EL CINE

Ciclo: TEJIENDO DANZA
Licenciatura en Danza - Departamento de Artes Escénicas


Para nadie es un secreto que, desde el inicio de los tiempos, el ser humano ha tenido el impulso natural e instintivo de moverse, de bailar, de danzar, para ser aún más exactos desde que estamos en el vientre de nuestras madres en aquella posición fetal tan característica de la danza contemporánea, danzamos en esa cavidad oscura pero acogedora, en este espacio seguro entre órganos y líquido amniótico.

La danza, a pesar de ser en la actualidad un arte que cautiva a través de sus diferentes lenguajes, que estremece, eriza y emociona con un penché, un swing o un running man ejecutado en el momento correcto, ha luchado a lo largo del tiempo por su prevalencia al no contar como otras disciplinas artísticas con métodos eficaces para su conservación, y es que a pesar de muchos intentos por preservar y registrar en cuadernillos con  dibujos codificados, planimetrías detalladas y registros de la nomenclatura de los movimientos, escritos de la manera más exacta y juiciosamente posible, la danza no conseguía ser apreciada en totalidad en sus resultados coreográficos y mucho menos prevalecer a través de la generaciones, tan solo disfrutada en ese espacio fugaz y efímero que se consumía como un abrir y cerrar de ojos en los escenarios al instante.

Es así que solo hasta finales del siglo XIX y gracias a los hermanos Lumieré, se abrazó la danza y el cine para nunca más querer separarse, nació una nueva coreografía en la cual la danza no solo se benefició y logró por  fin contar con un método que le permitió mostrar lo que ocurría en los escenarios en cada lugar del planeta e incluso con diferencia de años de su estreno y ejecución, sino que también el Cine inició una danza única que se trasladó a los estudios y  locaciones, creando un nuevo cuerpo de baile entre actores, actrices, camarógrafos y directores que junto con la melodía de ángulos bien seleccionados, han logrado plasmar trabajos tan representativos como la armadura de Dios de Jackie Chan o  el mono borracho en el ojo del tigre de Yuen Woo-ping.

Y entiéndase bien que no estoy hablando de una corporalidad o técnica dancística específica, sino en cómo a través de la correcta posición de la cámara con la acertada ubicación de la misma, en el ángulo preciso, acompañada de la corporalidad de los intérpretes bajo sus respectivos personajes, se logra una fusión perfecta que le permite al espectador disfrutar de una orgánica fusión de escenas honestas y virtuosas.

Así pues que se deben mucho la una a la otra, la danza al cine, como el cine a la danza, y es que es de resaltar además que de esta unión se pueden reconocer nuevos movimientos artísticos como la video danza propuesto en sus inicios como cine experimental por Maya Daren y películas dancísticas y/o de teatro físico como The cost of living, que nos permite conocer la historia de estos dos  personajes, más allá del movimiento danzado por el que está permeada la película, sino además por las posiciones de cámara como la utilizada en la toma panorámica en la aparición de la partitura corporal de Dave al atravesar la montaña junto con el colectivo de bailarines, escena icónica para los amantes del cine y la danza. En conclusión, la exquisita fusión de estos dos lenguajes y su matrimonio cero egoísta nos ha permitido valorar más este vals a ¾ que se teje en el set de cine y conocer que la coreografía trascienden el escenario tradicional para adentrarse a nuevas posibilidades que han permitido a través del tiempo contar grandes historias en el cine.

Angélica Suárez
Magíster en Creación y Dirección Escénica
Docente de Danza contemporánea y Ballet
Coreógrafa
Actriz