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Miércoles de Septiembre

LARGOS CON K

Ciclo propuesto por la profesora Diana Kuellar de la Escuela de Comunicación Social para su curso Análisis Audiovisual. 

Analizar una película es teorizar sobre la misma. Sin embargo, la estética del cine y la teoría del cine no son exactamente la mismo, no cumplen las mismas necesidades ni la misma función. Pero se emparentan. Si bien cada filme tiene un universo propio con sus leyes y su dinámica, hay ciertos parámetros para el análisis de películas que son generales. El análisis de películas es próximo a arte pictórico, musical y arquitectónico. Es en realidad, tomar al cine como arte y analizarlo. 

Una de las teorías del cine es la relativa a la estética del cine. La estética engloba la reflexión acerca de los fenómenos de significación, considerados como fenómenos artísticos. Sobreentiende el concepto de lo bello, del gusto y del placer tanto del espectador como del teórico que hace el análisis estético. 

La estética del cine tiene relación con la estética general, disciplina filosófica que concierne el conjunto de las artes. Por lo tanto, se llama estética del cine al estudio del cine como arte.

 

afiche de AZUL

TROIS COULEURS: BLEU - AZUL

Dir. Krzysztof Kieslowski / 98 min. / Francia / 1993

Después de un accidente automovilístico donde pierde a su esposo Patrice y a su hija, Julie emprende una nueva vida solitaria y alejada de los privilegios. Olivier, el ayudante de su esposo muerto y quien desde hace muchos años está enamorado de ella, la convence para que termine Concierto para Europa, obra inacabada de Patrice. 

afiche de SUEÑO

BI-MONG: SUEÑO

Dir. Kim Ki-duk / 95 min. / Corea del Sur / 2008

Jin despierta de un sueño en el que tuvo un accidente de tránsito de camino a la casa de su exnovia. La intensidad de la pesadilla lo lleva al sitio del suceso, donde efectivamente ha sucedido un accidente de similares características. Jin sigue a la policía a la casa de la sospechosa Ran donde esta argumenta que no pudo ser culpable pues estaba dormida. Aunque Jin cuenta su sueño a la policía y se declara culpable pero no es tenido en cuenta. 

afiche de LA NARANJA MECÁNICA

 LA NARANJA MECÁNICA

Dir. Stanley Kubrick/ 137 min. / Reino Unido / 1971

Alex es un joven muy agresivo que tiene dos pasiones: la violencia desaforada y Beethoven. Es el jefe de la banda de los drugos, que dan rienda suelta a sus instintos más salvajes apaleando, violando y aterrorizando a la población. Cuando esa escalada de terror llega hasta el asesinato, Alex es detenido y, en prisión, se someterá voluntariamente a una innovadora experiencia de reeducación que pretende anular drásticamente cualquier atisbo de conducta antisocial.

afiche de RAN

RAN

Dir. Akira Kurosawa/ 160 min. / Japón / 1985

Inspirada en el Rey Lear de Shakespeare, esta historia se desarrolla en el Japón medieval donde dos hermanos se enfrentan a muerte por el poder que les hereda su padre el señor Hidetora. 

Miércoles de Mayo

MAYO DEL 68: LA REVOLUCIÓN DE UN SUEÑO

Se podría decir que la revolución de París de mayo del 68 fue la revolución de un sueño. Un nuevo tipo de revolución cultural, una revolución de toda una generación. 

Nos encontramos con una juventud interesada en ser dueña de sus propias experiencias, con un verdadero interés en el desarrollo de nuevas formas artísticas y expresivas. Este tipo de exploración e independencia se convierte rápidamente en formas de protesta social. Hay una ideología anti sistema, anti autoridad, contra una adultez impuesta enmarcada en valores tradicionales. 

1986 es un año catastrófico. En los Estados Unidos, en Francia, en Italia, en Alemania, Japón, Checoslovaquia es el periodo de la creciente protesta contra la guerra de Vietnam, el año de las revoluciones estudiantiles, la lucha por los derechos civiles de los negros, de la cultura del submundo, se inaugura un periodo de profunda polarización política, social y cultural.

Las marchas y manifestaciones militantes son las formas más comunes de protesta. Se busca un camino a través de la sociedad adulta en lugar de llevar adelante el guion prediseñado. Y este es también el inicio de la exploración de nuevas experiencias, a través de las drogas, de la alucinación, de la “música extraña”, de la psicodelia. 

1986 es un momento de quiebre, el momento en que la cultura y la política chocan y esta revela las contradicciones y antagonismos sociales que se reúnen en el fondo. Estamos además frente a un fenómeno de masas en que la prensa y los medios de comunicación están fascinados por el espectáculo de la sociedad que corre hacia una crisis social. Una crisis de autoridad. 

 

afiche de LEJOS DE VIETNAM

LEJOS DE VIETNAM

Dir. Jean-Luc Godard, Chris Marker, Alain Resnais, Agnès Varda, Joris Ivens, William Klein, Claude Lelouch / 120 min. / Francia / 1967

Siete directores realizan esta película en contra de la Guerra de Vietnam. El mundo está dividido; algunos a favor, el resto en contra. Protestas, revueltas, pero las bombas siguen cayendo y matando vietnamitas. Aunque la película está dividida en segmentos no queda muy claro quien dirige cada episodio.  

afiche de SYMPATHY FOR THE DEVIL

SYMPATHY FOR THE DEVIL 

Dir. Jean-Luc Godard / 100 min. / Reino Unido / 1968

Tomando como trasfondo el panorama cultural de finales de los 60, Jean-Luc Godard nos ofrece en este documental un testimonio imprescindible de lo que se dio en llamar la contracultura occidental. Con un análisis profundo del movimiento de los Panteras Negras y con referencias a los trabajos de personajes tan relevantes como LeRoi Jones y Eldridge Cleaver, recorremos momentos significativos como una visita a los Rolling Stones en el estudio de grabación.

afiche de TODO VA BIEN

TODO VA BIEN 

Dir. Jean-Luc Godard, Jean-Pierre Gorin, Groupe Dziga Vertov / 95 min. / Francia / 1972

Tras el fracaso de mayo del 68 se impone la idea paradójica de que todo va bien cuando, en realidad, nada ha cambiado. Todos los sueños e ideales del 68 se han desvanecido, la economía ha devorado a la política y el capitalismo campa a sus anchas. Godard, usando la técnica del distanciamiento de Brecht, pone en escena el vacío de todos los discursos políticos, el, así llamado, fin de todas las ideologías. Observa cómo utiliza la sección vertical en el fotograma de arriba para dar una perspectiva global de todas las relaciones sociales en juego: empresario, sindicalistas y ultraizquierda. También en la onda de Brecht, tratándose de una película protagonizada por dos iconos sexuales de la época (Yves Montand y Jane Fonda) cualquiera esperaría un drama romántico. A Godard le sobran treinta segundos para despachar la historia de amor.

afiche de MILOU EN MAYO

MILOU EN MAYO

Dir. Louis Malle / 108 min. / Francia / 1990

Émile Vieuzac vive con su madre en una gran casa de campo. Cuando ella muere repentinamente, él invita a todos sus parientes a acudir al funeral. Malle observa con toda su acidez y cinismo a un grupo de burgueses reunidos en mayo del 1968.

 

Miércoles de Abril

DOCUMENTAL ANIMADO

Ciclo curado por Jorge Arturo Ruiz Hurtado, estudiante de la Escuela de Comunicación Social. 

¿Al hablar de documental animado caemos en una contradicción? El primero ha sido considerado hasta el día de hoy como un dispositivo que intenta retratar la realidad desde una visión objetiva del mundo. Claro que esta perspectiva, en la actualidad, ha sido criticada fuertemente por diferentes teóricos y realizadores; pero, cuando el término documental es dicho, es difícil no ligarlo o darle una connotación cercana a “lo real”. Este es el efecto documentalizante, fenómeno mencionado por Roger Odín, importante teórico en el área de estudio. Por otro lado, el término “animado”, ha sido percibido como una visión subjetiva de la realidad, a pesar de que fue el dispositivo usado para retratarla por casi la totalidad de la existencia de la especie humana.

Las pinturas y grabados en la Cueva de Altamira fueron los primeros intentos, conocidos hasta el momento, en los que el ser humano trató de retratar su entorno. Es así como desde el periodo Paleolítico, pasando por el Neolítico, los intentos en la edad Antigua como en las pirámides de Giza; hasta el renacimiento, el Neoclasicismo, entre otros movimientos artísticos y pictóricos validaron su forma de representar la realidad.

Pero entonces, ¿Por qué de un momento a otro se desvalorizó esta forma de representar? La respuesta se encuentra en los nuevos dispositivos que se empezaron a usar para ese fin. La invención de la cámara fotográfica (1826) y posteriormente la del cinematógrafo (1895), en todas sus formas, desplazaron esas antiguas formas de retratar, pues, estas herramientas “mostraban la realidad tal cual es”.

A pesar de esto, el desarrollo de la animación también ocurría, de manera alterna, al del cine documental. La primera mitad del siglo XX tuvo, sin prejuicios, una relación muy cercana de estos dos dispositivos. Ejemplo de ellos son películas como The Sinking of the Lusitania de Winsor McCay; Einstein's Theory of Relativity producido por Disney y Why We Fight de Robert Capa, entre otros. A pesar de que algunas de ellas no eran piezas totalmente animadas, la relación animación-documental no era contraproducente al evaluar el grado de verosimilitud de estas producciones.

No fue hasta mediados de la década de los sesenta, con el surgimiento del Cine Directo y el Cinema Verité, que se empezaron a formar los límites de lo real en el documental. Estos dos movimientos cinematográficos, en sus formas, argumentaban encontrar la verdad en la observación sin intervención (Cine Directo) o mostrarla al mismo tiempo que se negaba, evidenciando que esa verdad es moldeada por los realizadores y no puede escapar de este control (Cinema Verité). El surgimiento de estas dos corrientes significó un duro golpe para la animación, una deslegitimación completa.

Han pasado más de sesenta años desde que se desligó, al menos oficialmente, la animación de lo real. A pesar de esto, el viaje por estas seis décadas ha significado para la sociedad una crisis de la verdad. La posmodernidad trajo consigo la ruptura de los dogmas y la incredulidad hacia los organismos de la verdad. Las ciencias, creencias e ideologías terminaron siendo solo puntos de vista para ver el mundo. En esta ruptura, en el terreno documental, empezaron a emerger diferentes ensayos que renunciaron a la forma objetiva de ver la realidad de los movimientos ya mencionados, para explorar nuevas maneras de ver y de re-presentar. Aquí es donde, poco a poco, el documental animado ha ganado fuerza. Son pocos los títulos que han surgido en estos periodos, pero significan un gran avance para el desarrollo de este género. En palabras del investigador Alejandro Cock P.: “Todas las formas de documental son solo RE-presentaciones de la realidad y en este sentido, una animación no es diferente a ningún otro estilo.” 

 

afiche de CHICAGO 10

CHICAGO 10 

Dir. Brett Morgen / 110 min. / Estados Unidos / 2007

Esta cinta, dirigida por Brett Morgen, narra la historia del juicio contra los llamados “Chicago Seven”, un grupo de activistas señalados con los cargos de conspiración, incitación al desorden y conspiración por los disturbios contra la guerra de Vietnam presentados en 1968 en Chicago en la Convención Nacional Democrática. El film muestra cómo este grupo de jóvenes enfrenta con valor y argumentos a una fuerza opresiva y armada del Estados Unidos de esa época; demostrando que los disturbios no fueron iniciados ni planeados por ellos si no que fue la respuesta al avasallamiento de los uniformados. En esta cinta, Morgen, mezcla material de archivo y animación, para hacer una reflexión sobre la guerra en Afganistán que sucedía por ese entonces: “Creo que al final, las personas que esperan que “Chicago 10” sea una lección de historia de 1968 van a estar muy decepcionadas porque no se trata de 1968, se trata del 2008” (Brett Morgen).

La decisión del realizador para dar este tratamiento a su film se enfocó a la audiencia a la que quería llegar: lo jóvenes. Un ritmo acelerado y una sonoridad contemporánea eran necesarias para cumplir con el objetivo. Por otro lado, era consciente que no quería mostrar una realidad objetiva, por eso desde el inicio de la producción se planteó este juego entre la animación y el archivo. “…pero Hayden ayer hizo un comentario en el New York Time que encontré un poco perturbador, el decia: “Hay un peligro en teatralizar la historia”. Pensé algo como: No, actualmente hay peligro en tratar de sugerir que hay una forma objetiva de presentar la historia” (Brett Morgen).

afiche de IS THE MAN WHO IS TALL HAPPY?

IS THE MAN WHO IS TALL HAPPY? 

Dir. Michel Gondry / 89 min. / Francia / 2013

Este documental es el producto de dos conversaciones que suman un total de tres horas realizadas por el aclamado realizador Michel Gondry y Noam Chomsky. En este film el autor experimenta y está en una constante búsqueda del significado y entendimiento de las palabras y perspectivas del famoso lingüista y activista norteamericano. La infancia, los recuerdos, el desarrollo de la gramática y el lenguaje en el ser humano y la pasión de Chomsky por Isaac Newton son los temas a los que Gondry tratará de darle forma y color mientras son presentados en la pantalla. No es tarea fácil y el realizador nos mostrará constantemente su proceso, también sus intentos por comprender y su afán por mostrar la subjetividad del producto que hizo.

En esta película, el autor mezcla técnica de animación con dibujos hechos a mano y fragmentos de la entrevista grabada en una cámara de 16mm. Su principal objetivo es ser capaz de traducir un pensamiento tan complejo, estructurado y abstracto, “No podía atrapar la complejidad de su espíritu, pensaba que podría expresarlo a través de la animación. Lo iba a traducir a través del arte, porque la complejidad de lo que estaba diciendo, es considerado arte” (Michel Gondry).

afiche de TOWER

TOWER 

Dir. Keith Maitland / 82 min. / Estados Unidos / 2016

Narra la historia de la masacre ocurrida en la Universidad de Texas el 1 de agosto de 1966 perpetrada por Charles Whitman, también conocido como el “Francotirador de la torre de Texas”. Whitman, con una variedad de armas, subió al piso 28 de la emblemática construcción y disparó a las personas que cruzaban el campus. El incidente duró aproximadamente 96 minutos y terminó después de que el francotirador fuera abatido por un miembro de la policía texana; el resultado fueron 16 muertos y más de 30 heridos. Esta cinta, dirigida por Keith Maitland mezcla la animación con imágenes de archivo y entrevistas. Mediante los testimonios de los sobrevivientes, el filme construye el pasado y conecta todas estas vivencias; intercalando las historias y recreando el tiempo de los sucesos con la duración de la película.

Keith Maitland decidió usar la animación como herramienta para que los espectadores viajarán al pasado: “Quería transportar a la audiencia al pasado. Ese era el objetivo: crear una película que estuviera inmersa en 1966.” (Keith Maitland). De este modo sus protagonistas, a pesar de contar con más de cincuenta años, fueron presentados de la misma manera que en el incidente, “es como el acercamiento estándar de los documentales, pero no sentía que la acción y la sensación de ese día se iban a sostener si detenemos el discurso cada par de minutos para escuchar a una persona mayor hablar.” (Keith Maitland).

afiche de WALTZ WITH BASHIR

WALTZ WITH BASHIR

Dir. Ari Folman / 87 min. / Israel / 2008

Este film autobiográfico narra la historia de Ari Folman y su búsqueda de un acontecimiento que no está en sus recuerdos. Tras sufrir una serie de pesadillas, Folman se encuentra con un viejo amigo que le dice que la causa de sus malos sueños debe estar conectada con su participación, en su juventud, en una misión militar. Al no acordarse de estos hechos, el protagonista comienza a reconstruir sus recuerdos con las anécdotas de sus amigos y compañeros de servicio. Poco a poco Ari Folman conectará las historias y verá en su memoria las marcas de la perversidad de la Guerra del Líbano de 1982, más exactamente la Masacre de Sabra y Chatila que tuvo más de quinientas víctimas. Esta película, busca generar una reflexión de cómo funcionan nuestros recuerdos y el horror sufrido por soldados y civiles en guerras las guerras que los han obligado a vivir.

Esta cinta fue el primer documental, en los últimos años, en usar la animación como tratamiento discursivo a lo largo de film, (a excepción de la última imagen, procedente de grabaciones de archivo) para narrar una realidad histórica. Ari Folman se decidió por la animación porque, como se mencionó anteriormente, la película también trata sobre los recuerdos y cómo estos, a través del tiempo, se van transformando y cambiando: “En la exploración de la memoria y la fantasía, la animación tenía sentido para mí. Usé una combinación de animación con recortes y dibujo por computadora.” (Ari Folman).

 

Miércoles de Marzo

MUESTRAS 2017

Ciclo curado por Miguel Ángel Baralt, estudiante del Programa de Historia

Aunque un poco aventajado, este inicio de año no se puede quedar sin la retrospectiva habitual que intenta retomar lo mejor del paisaje cinematográfico de ficción -a nuestro alcance- estrenado el año pasado y que consiste, sobre todo, en películas estrenadas en Europa, Estados Unidos, Latinoamérica y en menor medida, lamentablemente, Asia. Sabemos, poco y nada conocemos de lo realizado en el continente africano sino es por la muestra itinerante MUICA. Un ejercicio de recapitulación así consiste, en ultimas, en descartar más que en seleccionar. Así fue para nosotros: primero fueron las películas que se vivieron con mayor expectativa y llegaron a cartelera sin mayor problema por su comprobada recepción, pues vienen a formar parte de un identificado nicho de exhibición del mainstream norteamericano conocido como cine de culto, indie o alternativo (¿?) caso ¡Madre!  (Darren Aronofsky), La forma del agua (Guillermo del Toro), Paterson (Jim Jarmusch), The Post (Steven Spielberg), Dunkerque (Christopher Nolan), El hilo fantasma  (Paul Thomas Anderson) y hasta Blade Runner 2049 (Denis Villeneuve); solo por poner algunas. Otras descartadas fueron las seleccionadas por festivales europeos a inicios de año como gemas: un conjunto que podríamos decir viene alimentando el ya reconocible tono decadente y pesimista de la cinematografía de los países Europeos: películas incomodas pero necesarias como Loveless (Andrey Zvyagintsev, Rusia), The Square (Ruben Östlund, Suecia), The Party (Sally Potter, Reino Unido), The Killing of a Sacred Deer (Yorgos Lanthimos, Reino Unido) y Happy End (Michel Haneke). Muestra del cine que se esfuerza en continuar con la caracterización de personajes alienados, cansados e ineptos frente a un mundo moderno que los traga y los devuelve para que sean cuerpos que exponen su incapacidad de habitar el mundo, su imposibilidad de comunicarse y transitar el sucesivo aislamiento y desamparo con respecto a las instituciones que tanto prometen a estos personajes que viven en entornos de hipocresía y cinismo. Por ultimo no podemos dejar de nombrar, así solo sea con ánimos de terminar este catálogo lo más nutrido posible, esas películas que aún se encuentran en exhibición y que hacen fila esperando la gala de los premios de la industria norteamericana, y que por lo demás, configuran el nuevo paisaje del cine independiente norteamericano:  The Florida Project (Sean Baker), Lady Bird (Greta Gerwig), Huye/Get Out (Jordan Peele), The Disaster Artist (James Franco), Call me by your name (coproducción entre estados unidos, Brasil e Italia).

Entonces quedaron unas pocas, extrañas y fuertes, que decidimos no dejar pasar al espectador inquieto mientras tratamos de abarcar un panorama amplio en cuanto a regiones culturales se refiere, pues nos parece, es en ultimas lo que determina los elementos con los que se construye todo film: lo que universaliza su singularidad. Así, dos películas de origen europeo: por un lado, la finlandesa El otro lado de la esperanza del reconocido director Aki Kaurismaki, y por el otro, y aún en Europa -aunque ahora sobre el mediterráneo de viñedos y bosques cálidos- nos quedamos con Verano 1993. Del cine joven e independiente norteamericano nos dejamos llevar por el siempre bueno festival de sundance y uno de sus últimos hallazgos: Beach Rats. Reseñada por la revista Vice con el sugerente título de “Cuando el homoerotismo se encuentra con la mirada femenina”. Por último, una película de esta parte del mundo, tan brutal, cruda y honesta como todo lo emprendido por el mexicano Michel Franco, que este año nos mostró la historia de Las hijas de abril. 

 

afiche de EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA

EL OTRO LADO DE LA ESPERANZA (Toivon tuolla puolen) 

Dir. Aki Kaurismäki / 98 min. / Finlandia / 2017

El cineasta finlandés Aki Kaurismäki esta vez se acerca al estados de cosas de los refugiados: en su caso, motivado por la llegada de ciudadanos iraquíes a Finlandia. Helsinki. El joven Khaled llega oculto en un barco de carga procedente de Siria. Su solicitud de asilo es rechazada, pero decide quedarse de todos modos. Mientras, un gris comerciante cincuentón llamado Wikström decide cambiar su vida y abrir un decadente restaurante. Sus caminos se cruzarán cuando una tarde Wikhström se encuentra a Khaled en la puerta de su restaurante y, emocionado, decide ofrecerle techo, comida y trabajo. Pero el sueño del chico es encontrar a su hermana, que también huyó de Siria. Oso de Plata - Mejor director Festival de Berlín. Nominada a Mejor película y Mejor director Premios del Cine Europeo.

afiche de VERANO 1993

VERANO 1993 (Estiu 1993) 

Dir. Carla Simón / 97 min. / España / 2017 

Un grupo de niños juega durante la verbena de San Juan, cuando, de repente, aflora una pregunta desconcertante: “Y tú, ¿por qué no lloras?”. Que Frida no esté llorando parece una incongruencia. Por lo menos a los ojos de quien no esté familiarizado con los, a veces, contradictorios procesos de gestión del dolor en una infancia que, de repente, ha dejado de ser adjetivada como tierna para convertirse en territorio de indefensión. Frida parece la antítesis de Ponette, la niña que lidiaba con la muerte de su madre vaciándose de lágrimas durante hora y media en la homónima película de Jacques Doillon. Frida también acaba de perder a su madre, víctima del sida como antes lo fue su padre, aunque la sobresaliente ópera prima de Carla Simón tiene el pudor de manejar los riesgos sensacionalistas de ese dato con encomiable cautela. Entre otras cosas, porque Estiu 1993 es una película extremadamente rigurosa con la elección de su punto de vista, que no es otro que el de los ojos de Frida: esos ojos que pasarán de la sequedad al desbordamiento, a lo largo de un verano marcado por la aclimatación a un nuevo territorio físico y afectivo. Jordi Costa, El País, España. Mejor dirección novel, actor sec. y actriz rev. 8 nominaciones Premios Goya 2017. Mejor ópera prima, Gran Premio del Jurado Festival de Berlín 2017.

afiche de BEACH RATS

BEACH RATS  

Dir. Eliza Hittman / 95 min. / EEUU / 2017  

En la película ganadora del Sundance, Frankie es un típico Beach Rat (rata de playa): un chico musculoso y sin norte que atraviesa una crisis de identidad. Él pasa sus fines de semana fumando hierba, jugando handball y tomándose selfies frente al espejo de su sótano. Ante sus amigos pretende ser heterosexual, sosteniendo un romance perfecto con la chica de los fuegos artificiales de Coney Island. Al tiempo, Frankie coquetea online con tipos más viejos, con quienes intercambia fotos provocativas y tiene encuentros en los matorrales de la playa. Mejor director – Drama Festival de Sundance 2017. 

afiche de LAS HIJAS DE ABRIL

LAS HIJAS DE ABRIL  

Dir. Michel Franco / 103 min. / México / 2017

Valeria tiene 17 años y está embarazada. Vive en Puerto Vallarta con Clara, su hermana de 34 años. Valeria no quería que su madre, a menudo ausente, estuviera al corriente de su embarazo, pero, a causa del coste y de la responsabilidad que entraña un niño, Clara decide recurrir a ella. Abril se instala, aparentemente deseosa de ayudar a sus hijas, pero con la llegada del bebé su comportamiento cambia y las reticencias de Valeria a pedirle ayuda se justifican cada vez más.