Cinemateca

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Martes de Septiembre

LA VEJEZ: EL REGISTRO DE UNA VIDA

La muerte es inminente, ineludible, nos rodea, pensamos casi que a diario en ella, puede llegar en cualquier momento, y esa certeza se ve reflejada en extensos tratados sobre la existencia humana, en importantes obras artísticas y actualmente en voluminosos presupuestos destinados a la investigación científica con la esperanza de superarla. Pero poco pensamos en la vejez, esa etapa de la vida que vemos tan lejana y que solo se vuelve real cuando sin misericordia nos alcanza. 

Gracias a la medicina y sus últimos adelantos científicos esta etapa de la vida es cada vez más larga. Proyectamos la juventud, anhelamos estabilidad para disfrutar de la edad media, pero qué pasa cuando un cuerpo y mentes algo gastados nos presentan sus límites, cual es el proyecto para esta etapa. De diferentes formas nos llega, hay diferentes formas de sobrellevarla y realmente poco importa lo que sucedió en medio, la vejez viene con sus condiciones y sus circunstancias. En la vejez podemos encontrar soledad, sabiduría, satisfacción, arrepentimiento.

En las películas de este ciclo, cuatro personajes, cuatro hombres, alcanzan la plenitud de sus vidas en diferentes circunstancias y de igual forma la enfrentan o no. Para Lucky esta el camino de la iluminación, Abraham emprende una búsqueda, Liu tiene una existencia satisfactoria rodeado de amigos y de su hijo que le ama, y Woody algo demente y terco logra una tardía unión familiar a través de un largo viaje y el retorno a su ciudad natal.    

 

afiche de EL BAÑO EL BAÑO

Dir.  Zhang Yang / 92 min. / China / 1999

Daming vive en Pekín como un próspero hombre de negocios y debe volver a su hogar natal ante la noticia de la muerte de su padre. Pero su padre no ha muerto, sigue administrando un baño público tradicional y cuidando a su otro hijo con problemas de desarrollo intelectual. Daming se enfrenta entonces a la responsabilidad de cuidar a su familia y queda atrapado en el tradicional mundo de los baños públicos.  

 

 

afiche de EL ULTIMO TRAJE

EL ÚLTIMO TRAJE 

Dir. Pablo Solarz / 86 min. / Argentina / 2017

Abraham es un sastre judío de 88 años que tiene una promesa por cumplir. Al final de la Segunda Guerra Mundial, un amigo lo salvó de la muerte y juró volver algún día para contarle cómo fue la vida que vivió gracias a él. Siete décadas después, y sintiendo que para su familia solo es un estorbo, Abraham decide que es el momento de enfrentarse a sus miedos.

 

 

afiche de NEBRASKA

NEBRASKA

Dir. Alexandre Payne / 115 min. / Estados Unidos / 2013

Woody Grant, un anciano con síntomas de demencia, insiste en realizar un largo viaje para cobrar un premio que le fue anunciado por correo y que lo volvería rico. Finalmente, David su hijo y con quien no tiene una buena relación debido al alcoholismo de Woody, accede a acompañarlo. 

 

 

 

afiche de LUCKY

LUCKY

Dir. John Carroll Lynch / 88 min. / Estados Unidos / 2017

Lucky, hombre ateo de 90 años, ha sobrevivido más que todos sus contemporáneos. Después de sufrir una caída por la pérdida de control motor y acudir al médico, Lucky se encuentra frente al precipicio:  es el tramo final de su vida, donde se verá impulsado a un viaje de autodescubrimiento cuyo objetivo final es la iluminación. 

 

 

Martes de Mayo

PROSAICAS: DIBUJO Y CINE

Ciclo curado por Hernán Casas A., Profesor Departamento de Artes Visuales y Estética

Las técnicas de dibujo como herramientas para la elaboración de productos artísticos, incluyendo el cine, han  adquirido un importante auge, si se quiere lógico y necesario, la tecnología parece el cómplice articulador de ese hecho, y vaya que ha servido, los artistas hoy y desde hace un buen tiempo, procuran trascender el simple hecho del dibujo sobre el papel como obra artística que desemboca en museos, galerías, revistas, estampados o simplemente no salen de la libreta de bocetos, en ese sentido el dibujo y el cine  se relacionan de manera democrática, para dar con nuevos lenguajes autónomos que sobrepasan la instrumentalidad decorativa y la anécdota narrativa; esa creativa alianza espontánea escudriña aspectos que, aparte de ser seductores y divertidos, suelen comprometerse  con relaciones y realidades sociales directas, apremiantes y dignas de ser expuestas en formatos refrescantes más allá del sentido comercial y esteticista.

El presente ciclo propone una serie de trabajos que, aparte de recrear ciertas técnicas, evidencia claramente el carácter crítico amplio de sus creadores, además de ser una fascinante invitación a los jóvenes artistas a encontrar nuevos espacios de exhibición, divulgación y promoción de sus prácticas más allá de las fronteras e intenciones tradicionales de las artes en general.

 

afiche de WAKING LIFE - DESPERTANDO A LA VIDA

WAKING LIFE - DESPERTANDO A LA VIDA

Dir.  Richard Linklater / 101 min. / Estados Unidos / 2001

Película filmada mediante la técnica de rotoscopias y completamente en vídeo digital, para luego ser editada por un grupo de artistas mediante el uso de ordenadores. El proceso permitió dibujar líneas estilizadas y colores a cada fotograma y es similar al estilo de rotoscopia usado por Ralph Bakshi en la década de los años 70.

afiche de EL GATO FRITZ 

EL GATO FRITZ 

Dir. Ralph Bakshi / 80 min. / Estados Unidos / 1972

Película para adultos basada en la tira cómica “El gato Fritz”, de Robert Crumb, este largometraje fue el primero de Bakshi como director. La película comienza con Fritz, un gato antropomórfico de la ciudad de Nueva York a mediados de los años 60's, quien explora los ideales de hedonismo y la conciencia sociopolítica. La película es una sátira centrada en la vida universitaria estadounidense de ese entonces, las relaciones interraciales, el movimiento del amor libre y las políticas de las izquierdas y derechas.

La película tuvo problemas de producción y un estreno controversial. Crumb tuvo desacuerdos con los cineastas en relación al contenido político de la película. El gato Fritz fue controversial por su clasificación y contenido, el cual muchos espectadores lo consideraron ofensivo en aquel momento. 

afiche de YELLOW SUBMARINE

YELLOW SUBMARINE 

Dir. George Dunning / 90 min. / Reino Unido / 1968

Érase una vez... o tal vez dos veces, un paraíso no terrenal llamado Pepperland -Pimientalandia-, un lugar en el que la felicidad y la música reinaban, sobre todo. Pero este bienestar se vio amenazado cuando The Blue Meanies -los Malditos Azules- declaran la guerra y enviaron su ejército, liderado por el amenazador Guante Volador para destruir todo lo que era bueno. 

afiche de PERSEPOLIS

PERSEPOLIS

Dir. Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud / 95 min. / Francia / 2007

Marjane es una niña que vive en el Irán de finales de los años 1970, en el seno de una familia occidentalizada. Durante esta época temprana el régimen del Sah y los abusos de poder del mismo dan para que Marjane tenga contacto con ideas políticas de izquierda. Posteriormente en la caída del Sah, llega la revolución que hace que aparezca otra historia y otro cambio en la vida de Marjane y en general de todo Irán. Esta historia comienza cuando los fundamentalistas toman el poder de manera autoritaria y surge la llamada Revolución Islámica, obligando a las mujeres a llevar velo y encarcelando a miles de personas. Marjane añora las ventajas del mundo occidental (llámese el punk, Michael Jackson, etc.) mientras sufre el terror de la persecución en su país. Cuando alcanza la adolescencia, es enviada a un liceo francés en Viena (Austria), y se convierte en testigo de los avatares históricos del país en esos años; mientras, aumenta el fundamentalismo en su país, devastado por la guerra entre Irak e Irán (1980-1988).

 

Martes de Abril

NAOMI KAWASE

Naomi Kawase es una de las más aclamadas figuras del cine japonés moderno. Nacida y criada en Nara se graduó en Artes Visuales en Osaka en 1989. Sus películas han recibido reconocimientos y premios en varios y renombrados festivales de cine alrededor del mundo. EMBRACING y KATATSUMORI reciben reconocimientos y premios en el Festival Internacional de Cine Documental de Yamagata en 1995. Con su primera realización, SUZAKU (1997), se convierte en la directora más joven en ganar la Cámara de Oro en el Festival de Cannes.  En el Festival de Cannes también obtiene el Gran Premio con MOGARI (2007), la Carrosa de Oro en 2009 y sirve como jurado en 2013. En 2015 le fue conferida la Orden como Caballero de las Artes y las Letras por el Ministerio de Cultura de Francia. En 2017 HIKARI fue seleccionada como una de las películas en competencia y le fue entregado el premio del Jurado Ecuménico. Además de cineasta, es fundadora y directora ejecutiva del Festival Internacional de Cine de Nara. 

La filmografía de Kawase se enfoca en las personas en la periferia de la sociedad japonesa e investiga su lugar en el flujo de la vida misma. Sus películas son matizadas, atentas y se preocupan por la lucha interna que nos lleva a conectarnos con los demás en nuestras vidas externas. Kawase privilegia los paisajes naturales y la forma en que la luz del sol juega con los rostros de sus personajes. Estos frecuentemente hablan como si buscaran verdades eternas desde la distancia. Más que películas nos enfrentamos a experiencias que expanden los sentidos, la mente y el corazón.

 

afiche de MOE NO SUZAKU

MOE NO SUZAKU

Dir. Naomi Kawase / 95 min. / Japón / 1997

La vida es dura en un lejano pueblo japonés. Kozo, el cabeza de familia debe mantener en un triste entorno a su madre, esposa, sobrino e hija. Cámara de Oro - mejor ópera prima: Festival de Cannes 1997. 

afiche de EL BOSQUE DEL LUTO

EL BOSQUE DEL LUTO 

Dir. Naomi Kawase / 97min. / Japón / 2007

Shigeki vive en una pequeña residencia de ancianos. Allí se siente a gusto y feliz con los demás residentes y con el personal que les atiende. Machiko, una trabajadora social que pertenece a dicho equipo, le presta especial atención, aunque en su interior le atormenta la pérdida de un hijo. Para celebrar el cumpleaños de Shigeki, Machiko decide llevarle a dar un paseo en coche por el campo. Pero el coche se queda parado en la cuneta. El anciano se interna con decisión en el bosque, y Machiko no tiene más remedio que acompañarle. Gran Premio del Jurado: Festival de Cannes 2007.

afiche de HANEZU

HANEZU

Dir. Naomi Kawase / 91 min. / Japón / 2011

En la región de Asuka, que es la cuna del Japón, hace mucho tiempo vivían los que disfrutaban del placer de la espera. En la actualidad, la gente ha perdido la capacidad de sentir ese placer, no es capaz de valorar el presente y se aferra a la ilusión de que las cosas evolucionan según un plan específico para cada uno. Hace mucho tiempo, la gente pensaba que en las montañas de Unebi, Miminashi y Kagu moraban los dioses. En esa época, un poderoso hombre de negocios había comparado esas montañas con una batalla que se libraba en su propio corazón. Las montañas eran una expresión del karma humano.

afiche de STILL THE WATER

STILL THE WATER

Dir. Naomi Kawase / 110 min. / Japón / 2014

Los habitantes de la isla de Amami viven en armonía con la naturaleza, para ellos en cada árbol, en cada piedra y en cada planta vive un dios. Una tarde de verano Kaito descubre el cuerpo de un hombre flotando en el mar. Su amiga Kyoko le ayudara a descifrar el misterio. Crecerán juntos, aprendiendo a ser adultos descubriendo los ciclos de la vida, la muerte, el amor. 

 

Martes de Marzo

ARTE, IMPRESIONES Y DOLOR 

Ciclo curado por Javier Mojica Madera, Docente Investigador, Departamento de Artes Visuales y Estética

“La antropología visual es una antropología de la mirada, pero no de cualquier mirada, sino de la que recae sobre el otro y también de la que se vuelve sobre la propia sociedad tras haber recorrido los caminos de la diferencia”. Columbres, Adolfo. La descolonización de la mirada. Ediciones ICAIC. Instituto cubano de arte e industria cinematográfica. 2012. La Habana, Cuba.

El ciclo inicia con un hermoso film que nos permite descubrir y vivir la amistad que se construye desde el año 1852 a 1899 entre dos grandes del arte: Paul Cezanne y Emily Sola. Amistad que se construye sobre la base del encuentro y el desencuentro. Cada uno busca su propia voz, su propia mirada, que le permite construirse a sí mismo, con sus propias posturas ante la realidad y el contexto político. Las escenas nos permiten conocer como el artista como ser creador siempre se enfrenta a encontrar su propia expresión, que no será la que ha sido aceptada, porque se impone romper y crear una nueva lectura del mundo, ese es su reto. Es así como Daniel Thomson, nos describe de una manera genial estas vidas en paralelo que representan el marco en el que se teje esta historia.

Otro de los films que nos permite conocer a uno de los grandes exponentes del movimiento impresionista: Amando a Vincent. No importa que su vida terminara en el suicidio porque todos los que le conocieron aprendieron de él un valor importante: Ver y leer el conjunto, pero centrar la mirada en el detalle presente en el color, en el encuadre, la luz, en una sensación de movimiento cargado de emoción y melancolía.                                                                                                    

Bella animación dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, retrato de su vida y obra, que nos lleva a descubrir a uno de los artistas más importantes de la pintura contemporánea. Irrepetible, nadie podrá olvidarlo, como tampoco su sufrimiento. Vincent, su locura, su obsesión, su esquizofrenia en medio de paleta de amarillos, azules, violetas, verdes, blancos y naranjas que nos invaden, y nos asombran, aunque no comprendamos completamente. Vincent nos entregó esa mirada vertiginosa y vibrante de la realidad.

El director Jacques Doillon, nos introduce con el fondo musical de violín, en el estudio de Auguste Rodan, y lentamente nos muestra con un paneo las esculturas del maestro quien con una frase plantea el oficio del escultor: “es en el barro donde encuentro mis formas. Quiero manos retorcidas, senos palpitantes, como si el demonio se los fuera a llevar. La jerarquía de los materiales comienza en el oro y termina en la arcilla, pero la arcilla, va primero”.  El dialogo inicia con Camille Claudell, con la que construye una relación de amor tormentoso y absorbente. Ella admira al artista y es su asistente, pero además compañía de su obra. Sus esculturas parecen demostrar su relación y contacto con la naturaleza. La cuál es su inspiración. Sus formas nos trasladan a un acto de vértigo, pasión, tormento y muerte. El tiempo parece detenerse en su taller mientras busca la forma, el volumen y movimiento de sus esculturas. La historia avanza mientras Rodan nos demuestra con sus manos y con sus palabras esta afirmación: “No ha existido nadie como los griegos para mostrarnos la belleza del cuerpo humano”.

Finalizando el ciclo de cine Arte, impresiones y dolor nos encontramos con una de los films más sorprendentes de los últimos años: “El fraude del arte”, dirigida por Ruben Ostlund (Palma de oro y premio de cine europeo a la mejor película de 2017), el cual nos introduce con una pregunta: ¿quién y cómo se toma la decisión de cuál es el objeto de arte válido para presentarse en un museo? Esta pregunta es el hilo que conduce la narración de esta historia sobre los límites que puede tener un curador de un museo de arte contemporáneo, ante la necesidad de competir con las nuevas formas de expresión de vanguardia, y como estas formas se insertan en el contexto social y cultural de una Europa que vive la tensión social, producto de la llegada de inmigrantes motivada por la guerra. Toda gira ante la premisa de un cuadrado que se plantea como un santuario de confianza y solidaridad.

afiche de CEZANNE ET MOI

CEZANNE ET MOI

Dir. Danièle Thompson / 117 min. / Francia / 2015

Esta película da cuenta de la larga y fraterna amistad entre Émile Zola y su compañero de colegio Paul Cézanne. A través de un magnífico trabajo de fotografía, escenografía y vestuario Danièle Thompson recrea el mundo artístico del París de finales del siglo XIX donde se desarrolla la relación de estos dos grandes artistas. 

afiche de LOVING VINCENT

LOVING VINCENT

Dir. Dorota Kobiela, Hugh Welchman / 95 min. / Polonia / 2017

Loving Vincent es una película animada compuesta por 56.800 fotogramas al óleo pintados por más de 100 artistas a lo largo de varios años. Un tributo visualmente fascinante. Mejor largometraje de animación Premios del Cine Europeo 2017. Mejores películas independientes del año National Board of Review (NBR) 2017. Nominada a mejor largometraje de animación Premios Oscar 2017. 

afiche de RODIN

RODIN

Dir. Jacques Doillon / 119 min. / Francia / 2017

A partir de las diferentes relaciones amorosas que sostuvo Rodin con artistas, asistentes y modelos, las más largas de ellas con su esposa Rose Beuret y la escultora Camille Claudel, esta película hace un recorrido biográfico por la vida del artista. Sección oficial Festival de Cannes 2017. 

afiche de THE SQUARE

THE SQUARE, LA FARSA DEL ARTE

Dir. Ruben Ostlund / 142 min. / Suecia / 2017

El “Arte Contemporáneo” y los curadores y salas que lo convierten en “Arte”. La obra The Square es una exhibición que fomenta valores humanos y el altruismo, pero ¿qué tan cercano está éste “arte” de la vida diaria, de la cotidianidad? Palma de Oro (Mejor película) Festival de Cannes 2017. 6 premios incluido mejor película y director Premios del Cine Europeo 2017. Mejores películas extranjeras del año National Board of Review (NBR) 2017.