Cinemateca

enlace a la pagina de Facebook

Martes de Febrero

LO MEJOR DE LATINOAMERICA EN 2017

Es difícil escoger las cuatro mejores películas latinoamericanas en un año en que la producción audiovisual ha crecido y mejorado tanto, así que el criterio utilizado involucró otras variables menos ortodoxas: las mejores ficciones que pudimos ver y conseguir. Están incluidas además dos películas que aparecen con fecha de producción 2016; la razón es que estas, aunque fueron producidas en ese año, por estrategias de comercialización y participación en muestras y festivales solo estuvieron a disposición del público en 2017. Como ejercicio de memoria y para aquellos con interés de seguir viendo buen cine latinoamericano, listo otros títulos que posiblemente podamos ver en fechas futuras en nuestra cinemateca: Aquarius, Kleber Mendonça Filho, Brasil/Francia; Arabia, Affonso Uchoa y João Dumans, Brasil; El auge del humano, Eduardo Williams, Argentina/Brasil/Portugal; Casa Roshell, Camila José Donoso, Chile/México; Como me da la gana II, Ignacio Agüero, Chile; Cuatreros, Albertina Carri, Argentina; Ejercicios de memoria, Paz Encina, Paraguay; El futuro perfecto, Nele Wohlatz, Argentina; Hermia & Helena, Matías Piñeiro, Argentina/EEUU; Kékszakállú, Gastón Solnicki, Argentina; La libertad del diablo, Everardo González, México; La Soledad, Jorge Thielen-Armand, Venezuela/Canadá/Italia; Los niños, Maite Alberdi, Chile/Holanda/Francia; Mañana a esta hora, Lina Rodríguez, Colombia/Canadá; El pacto de Adriana, Lissette Orozco, Chile; No Intenso Agora, João Moreira Salles, Brasil; Señorita María, la falda de la montaña, Rubén Mendoza, Colombia; El sitio de los sitios, Natalia Cabral y Oriol Estrada, República Dominicana; El teatro de la desaparición, Adrián Villar Rojas, Argentina; Territorio, Alexandra Cuesta, Ecuador/EEUU/Argentina; Todo lo demás, Natalia Almada, México; Viejo calavera, Kiro Russo, Bolivia/Catar, William, el nuevo maestro del judo, Ricardo Silva, México…. ¡Entre muchas otras!  

 

afiche de LA CORDILLERA

LA CORDILLERA 

Dir. Santiago Mitre / 114 min / Argentina / 2017

En Chile se realiza una cumbre de presidentes latinoamericanos donde se definirán las alianzas futuras entre países. Hernán Blanco, presidente argentino, se enfrenta por un lado a un drama familiar que implica la salud mental de su hija y un posible secreto del pasado, y por otro a una intriga política que le obliga a tomar un bando en una polémica negociación de poderes.  

 

afiche de LA REGION SALVAJE

LA REGIÓN SALVAJE

Dir. Amat Escalante / 100 min / México / 2016

Extraterrestres y homosexualidad se mezclan en esta película con la que Amat Escalante gano el premio a mejor director en el Festival de Cine de Venecia en 2016. De forma poco usual un México actual, presentado con estereotipos machistas, clasistas y homofóbicos, se convierte en el escenario de una historia fantástica, con tintes de terror y drama psicológico. 

 

afiche de SANTA Y ANDRES

 SANTA Y ANDRÉS

Dir. Carlos Lechuga / 105 min / Cuba / 2016

Santa es designada por el comité de vecinos para cuidar a Andrés (un escritor homosexual y con conocidas diferencias frente al régimen) mientras se lleva a cabo un evento que involucra a la prensa internacional y así evitar que Andrés realice algún acto de oposición pública. Pero donde está presente el desamor, la amistad se hace mandato, y donde hay conflicto y represión, la creación artística prevalece. Esta película fue retirada por Lechuga del Havana Film Festival de Nueva York del 2017 pues los organizadores decidieron no incluirla en la Selección Oficial para evitar los “chismes políticos”. 

 

afiche de UNA MUJER FANTASTICA

UNA MUJER FANTÁSTICA

Dir. Sebastián Lelio / 104 min / Chile / 2017

En una noche Marina pierde a Orlando, el hombre que ama, y la estabilidad que éste le ofrecía. Tiene que enfrentar las sospechas frente a su muerte y la intransigencia agresiva de su antigua familia que ve su relación como una aberración. Solo hay dos caminos, rendirse o convertirse en una mujer fantástica. Mejor Guion en el Festival de Berlín 2017. 

Auditorio 1, edif. 313, Departamento de Artes Visuales. 6:00 pm

 

Martes de Noviembre

TERRENCE VS MALICK

Ciclo curado por Camilo Martínez, estudiante de la Escuela de Comunicación Social.

Terrence Malick (1943) es poseedor de uno de los estilos cinematográficos más controvertidos de los últimos años, al punto de polarizar tanto a la audiencia como a los críticos quienes pueden llegar a calificar sus películas como ‘obras maestras’ o de ‘grandilocuentes y pomposas’. Malick tiene una filmografía marcada por dos grandes momentos distanciados tanto por el tiempo como por el estilo. Este ciclo se propone mostrar, al margen de sus películas más laureadas (The thin red line [1997] y The tree of life [2011]), estos dos momentos de un director que mal que bien tiene unas páginas en la historia del cine contemporáneo. 

Pareciese que Malick terminó haciendo cine más por aburrimiento que por otra cosa. Después de haber estudiado filosofía en Harvard fue becado para terminar sus estudios en Oxford donde intentó titularse con una tesis sobre Martin Heidegger que nunca terminó. Aun así fue profesor de filosofía en el MIT durante un corto tiempo y reportero para The New Yorker y Life. Mientras tanto se postuló para entrar al, entonces nuevo, American Film Institute donde ingresó y realizó un cortometraje (Lanton Mills, 1969) al que sólo pueden acceder los estudiantes de dicha institución. Después trabajó reescribiendo alguno guiones para Hollywood a la vez que escribía y buscaba financiar de manera independiente la que sería su primer película, Badlands (Tierras baldías, 1973), la historia de amor adolescente de un asesino (Martin Sheen) y su novia (Sissy Spacek). Cuando logró estrenarla se ganó la admiración de la crítica que se ratificaría cinco años después tras el estreno de una de las obras de cine independiente y de autor más importante para la cinematografía estadounidense, Days of Heaven (Días en el cielo, 1978). 

Estas dos obras son el primer momento de la filmografía de este autor. En ellas la narración es clásica, romántica y lacónica y nacerá de una mezcla de las experiencias y el bagaje de Malick por el sur y el midwest estadounidense y la idiosincrasia propia de estas regiones y épocas (ambas historias se desarrollan en un tiempo diferente al vivido por el director). Después de ellas, Malick se negará a hacer parte de la promoción de sus películas además de no dar entrevistas a ningún medio. Se retira de la vida pública y profesional durante 20 años en los que según parece viajó por el mundo, residió en Francia y escribió guiones que nunca vieron la luz. 

En 1998 estrena The thin red line (Oso de oro del Festival de Berlín) una película bélica ambientada en la segunda guerra mundial y que marcaría el inicio de su nueva etapa creativa en la experimentaría con la puesta en escena, la improvisación y el montaje. Debido a la reputación que tenía por sus anteriores películas Malick tiene la posibilidad de contar con célebres actores como Sean Penn, George Clooney, John Travolta, el aún desconocido Jared Leto, Adrien Brody, entre otros. Aunque muchos de ellos estuvieron durante meses en el tormentoso plató de la película sus personajes prácticamente desaparecieron en la sala de montaje a reducirse a escenas de 30 segundos o menos. Esto debido que a que se rodó de manera muy libre y por fuera del guion lo que produjo cientos de hora de metraje que posibilitó prácticamente escribir otra película en la sala de edición. De ahí en adelante esta será una práctica presente en el resto de sus filmes por lo que estos pueden llegar a durar años en la sala de montaje y requerir de varios montajistas. En 2005 estrena The new world una adaptación libre del relato de John Smith y Pocahontas en la que colabora por primera vez con el director de fotografía mexicano Emmanuel Lubezki quién desde ese momento se vuelve su cómplice en la cámara y su distintivo estilo visual. Años después estrenaría la película que lo pondría en la boca de todos nuevamente, esta vez por su excentricidad y pretensión estética y que le valiera La Palma de Oro en Cannes 2011, The tree of life. A partir de entonces Malick entra en una etapa altamente creativa y productiva con la que estrena cinco películas en 7 años todas ellas con el mismo estilo marcado por el preciosismo de la fotografía y la música, la carencia de un guion que refleja en una constante improvisación y que gira en torno a preocupaciones puntuales (la naturaleza, las relaciones humanas, la espiritualidad, etc.) abordadas de forma poética y potente. 

Esta última etapa es la más ha generado opiniones encontradas en los diferente ámbitos cinematográficos ya que algunos consideran su estilo una poesía cinematográfica en sí misma y otros una pomposa y grandilocuente monotonía que se repite. Sin embargo esta es una filmografía que vale la pena explorar ya que propone propuestas particulares tanto estéticamente como formalmente.  

 

afiche de DAYS OF HEAVEN

DAYS OF HEAVEN 

Dir. Terrence Malick / 94 min / Estados Unidos / 1978

Ambientada en el año 1916, Days of Heaven  es la historia de un amor que intenta encontrar un lugar donde establecerse aunque sea de manera funesta. La historia es narrada en off por la hermana menor de Bill, quién con su voz le da ese tono melancólico y a la vez idílico al orquestado plan de su hermano y su novia Abby para hacerse con la granja dónde trabajan. Orquestan un falso amor entre Abby y el dueño de la granja del que esperan muera pronto para que así Abby pueda heredar la granja y oficializar su relación con Bill.

En ésta película Malick cuenta con el impresionante trabajo de Néstor Almendros quién es reconocido por trabajar con directores de la talla de Truffaut o Rohmer. Con esta película Almendros, que fue grabada casi en su totalidad con luz natural, ganó el premio a mejor fotografía en los Oscar y a Malick le valió el premio a mejor director en el festival de Cannes de ese año.

Afiche de BADLANDS

BADLANDS

Dir. Terrence Malick / 94 min / Estados Unidos / 1973

Badlands es la historia del romance entre Kit (Martin Sheen) y Holly (Sissy Spacek). El primero es un joven de veinticinco años que trabaja como recolector de basura y que se enamora de la adolescente Holly. Kit quiere llevarse a Holly a vivir con él y está dispuesto a cualquier cosa para conseguirlo y es ahí donde la historia de estos dos fugitivos comienza a derramar sangre.  Kit encarna el espíritu de esa juventud inspirada por la mítica figura rebelde de James Dean que busca la libertad y que desconoce a la autoridad en su afán de sentirla. No importa como irá detrás de ella y no le importará llevarse a Holly con él. Rodada con apenas 300.000 dólares y con un equipo técnico no sindicalizado la primera obra de Malick se ganó la admiración de crítica por contar con tanta simpleza y belleza el romance de estos dos jóvenes. 

afiche de THE NEW WORLD

THE NEW WORLD

Dir. Terrence Malick / 135 min / Estados Unidos / 2005

Basada en el desembarco inglés en las costas de Norte América en 1607, la película narra la historia de la formación del asentamiento de Jamestown y del encuentro entre los ingleses y los nativos que habitaban las tierras del estado de Virginia, el entonces territorio de Tenakomakah. Este encuentro ocupa un lugar muy especial dentro del imaginario americano gracias a la leyenda del romance entre John Smith, uno de los capitanes de la expedición inglesa, y la princesa indígena Pocahontas. (Tomado de ochoymedio.info por Margarita Cuellar Barona). 

afciceh de SONG TO SONG

SONG TO SONG

Dir. Terrence Malick / 128 min / Estados Unidos / 2017

Última película de la etapa más experimental de Malick. En ella se relata la  existencial y poética relación entre varios amigos y amantes. Faye (Rooney Mara), BV (Ryan Gosling), Cook (Michael Fassbender) y Rhonda (Natalie Portman) son los vértices de estos triángulos amorosos con los que Malick nuevamente nos habla sobre las relaciones humanas, la espiritualidad y las razones para vivir. Potente visual y musicalmente esta es la última película en estrenar del director. 

 

Martes de Octubre

THE AMERICAN FILM SHOWCASE

 The American Film Showcase es un programa de diplomacia liderado por el Departamento de Estado de los Estados Unidos y producido por la Escuela de Artes Cinematográficas de la University of Southern California, que lleva a más de 40 países películas independientes (de ficción y documentales) de Estados Unidos.

The American Film Showcase trae documentales estadounidenses contemporáneos, películas de ficción independientes y documentales a audiencias de todo el mundo, ofreciendo una visión de la sociedad y la cultura estadounidenses como lo ven los cineastas independientes. El Showcase, financiado por una subvención de la Oficina de Asuntos Educativos y Culturales del Departamento de Estado (ECA) y producido por la Escuela de Artes Cinematográficas de la Universidad del Sur de California (SCA), destaca el valor del cine para fomentar la comprensión y la cooperación, el diálogo y el debate.

 

afiche de THE GAME IN THE GAME

Dir. Maria Finitzo / 91 min / Estados Unidos / 2015 / Documental

Siguiendo los altibajos del equipo de futbol femenino de la Kelly High School en el lado sur de Chicago se revelan los verdaderos obstáculos que los estudiantes de bajos ingresos deben enfrentar en su búsqueda de la educación superior.

afiche de MOSQUITA AND MARY

MOSQUITA AND MARY

Dir. Aurora Guerrero / 86 min / Estados Unidos / 2012 / Ficción

Yolanda y Mari están creciendo en Huntington Park, Los Ángeles, y sólo han conocido la lealtad a una cosa: la familia. Al crecer en los hogares de inmigrantes, se espera que ambas niñas prioricen el bienestar de sus familias. Cuando Mari se mueve al otro lado de la calle de Yolanda mantienen su rutina habitual de vida hasta que un incidente en la escuela las empuja a una amistad y un territorio desconocido.

afiche de I AM NOT RACIST AM I? I AM NOT RACIST AM I?

Dir. Catherine Wigginton Greene /  93 min / Estados Unidos / 2014 / Documental

No soy racista... ¿Lo soy?, es un documental sobre cómo la próxima generación va a enfrentar el racismo. Doce adolescentes de la ciudad de Nueva York se reunieron durante un año escolar para hablar sobre raza y privilegio en una serie de talleres y conversaciones con amigos y familiares. Se espera que al documentar su experiencia, la película inspirare a otros a reconocer e interrumpir el racismo en sus propias vidas.

afiche de EAST SIDE SUSHIEAST SIDE SUSHI

Dir. Anthony Lucero / 107 min / Estados Unidos  / 2015 / Ficción

East Side Sushi nos presenta a Juana, una madre soltera latina de clase trabajadora que se esfuerza por convertirse en chef de sushi, pero su raza y género son los equivocados

 

 

 

 

 

 

 

 

 

    

Martes de Septiembre

LA LUZ DESDE EL CINE

Ciclo curado por integrantes del Taller de Experimentación e Iluminación Fotográfica Paqariy.

El ciclo “La luz desde el cine” pretende abordar la fotografía no sólo como un instrumento que permite mostrar o contar historias, sino como una herramienta de transmisión cultural que posibilita, además de la exploración artística, la construcción de memorias individuales y colectivas. El ciclo está conformado por tres documentales y una ficción, que intentan dar cuenta de la vertibilidad que existe en el ejercicio fotográfico.

La proyección de estas películas parte como una iniciativa de Paqariy -Taller de iluminación y experimentación fotográfica y cinematográfica, perteneciente a la Escuela de Comunicación Social de la Universidad del Valle. La motivación de este ciclo surge con la idea de generar interés en la fotografía y cautivar a los estudiantes por medio de estos filmes a que indaguen y conozcan otras perspectivas sobre ésta.

La película inicial, Robert Mapplethorpe: Look at the pictures, trata sobre el controvertido fotógrafo  Robert Mapplethorpe y busca mostrar  la fotografía desde una perspectiva artística, que inicia siendo un elemento de contracultura, pero termina siendo una gran influencia e inspiración para muchos artistas en el siglo XXI.

La ciudad de los fotógrafos, es un documental que indaga la labor fotográfica como un oficio transgresor durante la dictadura chilena, en el cual se puede apreciar el foto-periodismo como una herramienta que, además de informar y mostrar hechos, llega a ser un elemento clave en la construcción de la verdad posterior a una ruptura social.

El documental No me llames fotógrafo de guerra, aborda a una generación de fotógrafos españoles que han viajado por todo el globo documentando los diferentes conflictos que suceden en este.

Finalmente, Life muestra la historia del encuentro entre el fotógrafo Dennis Stock y el actor James Dean, los cuales convergen a través la fotografía, que al final resulta ser una excusa para que estos dos personajes se conozcan e inicien un viaje de conocimiento y búsqueda personal.

 

Afiche de ROBERT MAPPLETHORPE: LOOK AT THE PICTURES.ROBERT MAPPLETHORPE: LOOK AT THE PICTURES.

Dir: Fenton Bailey, Randy Barbato / 2016 / 108 min / Estados Unidos.

El primer documental del ciclo sobre fotografía, hace una retrospectiva sobre el fotógrafo Robert Mapplethorpe y su controversial trabajo debido al alto contenido sexual que plasmaba en sus imágenes. El filme narra las distintas etapas de la vida del gran admirador de Andy Warhol, y nos permite ver la influencia que sus imágenes han dejado en el arte contemporáneo.

Afiche de LA CIUDAD DE LOS FOTÓGRAFOS

LA CIUDAD DE LOS FOTÓGRAFOS.

Dir: Sebastián Moreno / 2006 / 80 min / Chile.

Este documental muestra el trabajo realizado por un grupo de fotógrafos chilenos que retrató la dictadura durante el gobierno de Augusto Pinochet, revelando la cruda realidad que debieron afrontar. La importancia de las imágenes y el periodismo se hacen presentes aquí, siendo las fotografías un instrumento vital para iniciar juicios contra el estado y enfrentar así la dictadura.

Afiche de NO ME LLAMES FOTOGRAFO DE GUERRA

NO ME LLAMES FOTÓGRAFO DE GUERRA.

Dir: Esther Vergara / 2014 / 70min / España.

Documental cuyo punto de partida es la concesión del premio World Press Photo en el año 2012 al fotógrafo español Samuel Aranda por una instantánea en la que una mujer consuela a un familiar en Yemen. Él y otros nombres como Moisés Samán, Álvaro Ybarra, Manu Brabo, Fernando Moleres, Sandra Balsells y Emilio Morenatti conforman una generación de fotoperiodistas que se niega a ser identificados como "fotógrafos de guerra" ni tampoco están de acuerdo con los estereotipos vinculados a esa denominación, de ahí el título del documental.

Afiche de LIFE

LIFE

Dir: Anton Corbijn / 2015 / 111 min / Estados Unidos, Canadá, Inglaterra, Alemania, Australia.

Esta ficción recrea la historia detrás de las fotografías que el reconocido fotógrafo de la agencia Magnum Dennis Stock realizó para la revista Life del actor James Dean antes de su ascenso gracias a la película Rebeldes sin causa. El filme narra el encuentro y el viaje de estos personajes, así como su búsqueda personal desde la mirada del fotógrafo y ahora director Anton Corbijn.

1234
Final